Sonora Visual

Death

2012-02-29T12:00:00.000+01:00

I love the feeling when we lift up,

watching the world so small below.

I love the dreaming when I think of

the safety in the clouds out my window,

I wonder what keeps us so high up.

Could there be a love beneath these wings?

If we suddenly fall should I scream out?

Or keep very quiet and cling to my mouth as I'm crying,

so frightened of dying, relax, yes, I'm trying

but fear's got a hold on me.

Yes, this fear's got a hold on me.

I love the quiet of the night time,

When the sun is drowned in a deathly sea.

I can feel my heart beating as I speed from,

the sense of time catching up with me.

The sky set out like a pathway,

but who decides which route we take?

As people drift into a dream world

I close my eyes as my hands shake and when I see a new day,

who's driving this anyway? I picture my own grave,

'cause fear's got a hold on me.

Yes, this fear's got a hold on me.

Floating neither up or down,

I wonder when I'll hit the ground.

Well, the earth beneath my body shake

and cast your sleeping hearts awake.

Could it tremble stars from moonlit skies?

Could it drag a tear from your cold eyes?

I live on the right side, I sleep in the left,

that's why everything has got to be love or death.

Yes, this fear's got a hold on me.

White lies.

Fotografía: Guus Krol.

Vanesa Martín: “Ha surgido todo de una manera muy natural, muy desde la piel”

2012-02-28T20:00:00.000+01:00

Vanesa Martín vuelve con su tercer trabajo discográfico, al que ha titulado Cuestión de piel, que se pone hoy a la venta. Un disco que contiene quince nuevas canciones en las que plasma su autenticidad y su entusiasmo por vivir, a través de un recorrido musical por las emociones amorosas, a veces melancólicas, a veces alegres. Para ello ha contado con la colaboración artística de Pablo Alborán, Malú, La Mari de Chambao o José Antonio Rodríguez.

Con su nueva producción, la cantante y compositora malagueña ha entrado directa al número uno de ventas en la plataforma digital iTunes, mientras que “Tic tac”, su primer single se postula ya como uno de los sencillos más rompedores en su carrera discográfica. Su nuevo disco está ya a la venta en iTunes, 7 Digital, Media Markt, Nokia, Zune y Spotify.

Hoy sale a la venta su nuevo disco, Cuestión de piel, ¿cómo surgió la esencia de este trabajo discográfico?
De manera muy natural, de hecho se llama Cuestión de piel porque ha surgido todo sin prisa pero sin pausa. El repertorio surgió igual, he ido componiendo, y aunque creo que soy bastante objetiva conmigo misma y no todo lo que hago me parece que sea digno de entrar en un disco, hemos sido muy escrupulosos con el repertorio y no me he preocupado de tener un single, me he preocupado de tener quince canciones muy buenas. A nivel musical me ha ido surgiendo todo de manera espontánea porque empecé a aprender a tocar el piano el año pasado, y a la vez componía con el piano, y eso me ha permitido crear melodías nuevas, maneras de decir nuevas. Ha surgido todo de una manera muy natural, muy desde la piel, desde el instinto, de dejarme llevar por la intuición en todo momento.

¿Está contenta con el resultado final?
Sí, muchísimo. El anterior disco fue bien, la verdad es que para la promoción que hicimos fue muy bien. Los conciertos en directo son los que me funcionan muy bien siempre, y de la anterior gira creo que estoy recibiendo en este disco público que me ha visto alguna vez en directo y se ha quedado conmigo. Ahora toca nervios.

David Santisteban se ha ocupado de la producción de este álbum, ¿cómo surgió esta fusión musical?
La producción surgió de la misma forma, muy natural, porque en un principio tenía otro productor asignado, que iba a ser Bob Benozzo, pero de repente conecté tan bien con David Santisteban que nos miramos y saltó la chispa. Con él estaba haciendo repertorio para otros artistas, y tuve un trato muy familiar, una charla cotidiana de cómo me gustaría que fuera mi disco.

¿Cree que Santisteban era el productor adecuado para Cuestión de piel?
Con David me di cuenta de que él tenía ese nervio que yo quería para este disco, porque quería que sonara internacional pero con ese sonido y esa fuerza española. Quería un disco más desnudo, más orgánico, con un sonido de banda enfocado al directo, y a la vez más potente. Me ha aportado chispa y frescura. Además, he sentido que disfrutaba con mi música, pendiente de que fuera un discazo, intentando que las canciones caminaran solas. Ha sido todo muy fácil.

David es muy disfrutón con la música, te escucha mucho, es muy sensitivo y también es compositor, con él he encontrado un lenguaje en las canciones brutal. Hemos hablado de muchas cosas, incluso personales, y la verdad es que me lo he pasado muy bien trabajando con él y con todos los músicos.

Este es ya su tercer disco, ¿qué diferencias hay con respecto a los dos anteriores?
Quizá noto que hay diferencias sobre todo en la madurez de las letras, en la manera de expresarme, en las que intento dar un pasito más. Y en melodías, al escuchar desde siempre música tan distinta, me he ido empapando de músicas nuevas conociendo a gente que ni siquiera conocía, eso me ha hecho mucho bien.

En el álbum han colaborado artistas como Pablo Alborán, Malú, La Mari de Chambao o José Antonio Rodríguez. ¿Qué han aportado ellos a su música y a su forma de expresar?
Todas estas colaboraciones han surgido a raíz de la amistad que tengo con todos, aunque la verdad es que me parecían muchas colaboraciones porque yo no pensaba que fuera así. A todos los respeto muchísimo y con todos ellos me une una amistad muy bonita, me lo he pasado muy bien grabando con ellos. “Borracha de amor” es una pasada de canción a la que Pablo le da un toque brutal, era él el que tenía que estar en esta canción; La Mari en “Tic tac” está soberbia y es su rollo totalmente; Malú en “No te pude retener” ha dado lo mejor aunque estemos más acostumbrados a escucharla en una posición más sobria y ahora la ves con esa sutileza y dulzura; y con José Antonio ha dejado una guitarra en “Borracha de amor” que se me saltaron las lágrimas, es un genio. Es lo mejor de cada uno en cada colaboración.

¿Hacia donde viaja ahora el sonido de Vanesa Martín?
Creo que me voy a quedar en este sonido, un sonido de banda porque me encanta y he tenido la suerte de tocar mis temas con una banda sinfónica mezclada con mis músicos, y quiero hacer algún día una gira con una banda sinfónica de cada ciudad porque me parece una pasada. El sonido de banda me encanta, ahí me quiero quedar.

Comienza su gira el próximo 5 de marzo en Sevilla, luego vendrán Málaga, Cádiz y Huelva. ¿Para cuándo anunciará más fechas?
El 12 de junio actuaré en Madrid, en el Teatro Coliseum, que es la primera vez que vengo a Gran Vía y estoy encantada, en abril estaré en Jerez, Murcia y Valencia en mayo,… Pero la gira ya está planteada y lanzada.

¿Cómo está preparando con la banda el sonido del disco para el directo?
Tal cual suena en el disco, de hecho el disco está planteado y pensado para eso, no nos adaptamos nosotros para que suene el disco, el disco ya está pensado para el directo.

+ Info Vanesa Martín:
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Tuenti.
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+ Info gira Cuestión de piel:
28 de febrero – Fnac Callao – Madrid.
29 de febrero – Fnac Málaga.
05 de marzo – Café del Casino – Sevilla.
06 de marzo – Sala Eventual Music – Málaga.
07 de marzo – Sala La Posada de Babylonia – Cádiz.
08 de marzo – Sala De Luz y de Sal – Huelva.
13 de marzo – Fnac Diagonal Mar – Barcelona.
12 de junio – Teatro Arteria Coliseum – Madrid.

Vanesa Martín – “Tic tac”

Imágenes cedidas por Warner Music Spain.

Sueño con decirte que te sueño

2012-02-28T12:00:00.000+01:00

Anoche soñé contigo hurgando en el pasado,

relatando tiempos futuros que nunca existirán

cuando ni siquiera nos hemos mirado a los ojos más de tresminutos.

Y me partí el cuello de tanto soñar, de tanto espacio.

Cuando se fueron los miedos

se cruzaron las lágrimas dulces.

Y esquivando las distancias llegué hasta tu ciudad,

sobrevolando tu ventana abierta al mar.

Ayer soñé contigo una noche completa,

o tres segundos nada más,

pero fueron los instantes más preciosos de anoche.

Y me partí el cuello de tanto soñar, de tanto irrealizable.

Y me partí el cuello de tanto soñar,...

de tanto tiempo,

de tanto irrealizable,

de tanto imaginar,

de tanto soñar.

Y me partí el cuello...

Sueño con decirte que te sueño...

Textos: Óliver Yuste.

Fotografía: Ángela Dini.

kaZantip, de fiesta en el Mar Negro

2012-02-25T12:00:00.000+01:00

Alfa ofrecerá nuevos conciertos en el Fígaro Café

2012-02-22T12:00:00.000+01:00

El Fígaro Café de Madrid se ha convertido oficialmente en el cuartel general de los acústicos que Alfa ofrecerá el tercer jueves de cada mes a partir del próximo 23 de febrero, para presentar en directo su álbum debut, 22 de octubre, tras el éxito de convocatoria en sus dos anteriores citas.

Sus dos anteriores citas en el local capitalino fueron retransmitidas a través de Internet, y pusieron de manifiesto la magia de las nuevas canciones de Alfredo Fernández en un ambiente cercano y místico que el músico quiere ofrecer con estos conciertos acústicos. Ahora vuelve a repetir la fórmula con cuatro nuevas fechas en las que ofrecerá conciertos privados y exclusivos para un aforo muy limitado los días 23 de febrero, 22 de marzo, 19 de abril y 24 de mayo. Las entradas anticipadas estarán disponibles en Ticketea por 8 euros, y también por 14 euros con vinilo o USB; mientras que las entradas en taquilla ascenderán a 10 euros, y 16 euros con vinilo o USB.

Alfredo Fernández ha sido compositor y guitarrista de la banda Buenas Noches Rose en los años 90, y tras su disolución comenzó una nueva andadura en Le Punk como vocalista y guitarrista. Ahora regresa a la actualidad musical con un nuevo proyecto, pero esta vez en solitario y bajo el nombre de Alfa. El pasado mes de octubre lanzaba al mercado un EP con siete canciones inéditas en formato vinilo al que ha llamado 22 de octubre.

Un trabajo discográfico que grabó en el mes de julio en los estudios de La Casa con Ruedas con la co-producción de Miguel Ángel Ruiz, y que contó con las colaboraciones de Javier Barrajón a la batería y del propio Miguel Ángel Ruiz al bajo y a la percusión. El disco posee siete canciones editadas por Maral Producciones en formato vinilo, a la venta en tiendas Fnac, en tiendas especializadas en vinilo y en descarga digital a través de la página web de Maral Promúsica.

Alfa - "Boomerang" (Live Fígaro Café)

Fotografías: Carolina Galiano (Imágenes cedidas por La Casa con Ruedas).

¿Hasta cuándo?

2012-02-21T14:00:00.000+01:00

Contra la impunidad,
por la dignidad de las víctimas del franquismo,...

Big Harp, hasta que la muerte los separe

2012-02-20T08:00:00.000+01:00

Chris Senseney y Stefanie Drootin son una pareja estadounidense que hace tres años decidieron casarse, tener dos niños y crear una banda a la que han llamado Big Harp. Todo un acto de valentía que el pasado 13 de septiembre conseguían plasmar en su álbum debut, White hate, un trabajo discográfico con once canciones que respiran country clásico y folk de raíz americana. Melodías sencillas y desvestidas de cualquier antojo superficial acompañan narraciones que podrían volver a suceder en aquellos salones del viejo western.

Big Harp es un dúo compuesto por marido y mujer con dos niños, ¿cómo se lleva eso de trabajar en pareja y en familia?
Chris: Hasta ahora ha funcionado muy bien. A Stefanie y a mí nos encanta trabajar juntos, y nos encanta tener a nuestros hijos en todas las giras.

La banda se formó tras un torbellino de tres años, ¿fueron unos inicios algo difíciles o fue el mejor momento de sus vidas?
Chris: En realidad no fueron tan difíciles. Todo sucedió muy rápido, una cosa tras otra, pero todo fue muy natural.

Once canciones de country clásico y música folk, ¿las canciones surgieron fruto de una vida relajada en familia?
Chris: En todo caso tener una familia nos hizo recortar el tiempo dedicado a la música, y acabamos por hacer algo realmente simple y sólido. Ahora, sin embargo, creo que ambos estamos listos para empezar la composición, volver a salir de gira y tal vez hacer algo de mayor alcance.

¿Dónde encuentran la fuente de inspiración para componer esas letras y esas melodías tan exquisitas presentes en vuestro disco?
Chris: Es difícil de decir. Las canciones realmente no me parecen demasiado difíciles de componer, suelen comenzar como una sola línea, y esa línea sugiere otra línea, y así continúa ramificándose por todos los lados hasta ver por dónde cae.

Contrastan esas armonías tranquilas con la velocidad con que fueron grabadas, tan sólo tres días de estudio, ¿toda su música estaba muy clara y ensayada como para llegar al estudio sin margen de error?
Chris: En realidad, no empezamos a trabajar en las canciones hasta una semana antes de entrar en el estudio. Yo le mostré a Stefanie un montón de canciones que tenía por ahí, y juntos escogimos los temas para grabar. Una vez tuvimos los arreglos definitivos realizamos algunos ensayos con Chris Phillips, quien tocó la batería en la grabación. Eso fue todo. Creo que hacerlo de esa manera contribuyó a que el sonido del disco no fuera sólo con nuestros instintos, ya que no teníamos mucho tiempo para pensar demasiado.

¿Están contentos con el resultado final del álbum?
Chris: Sí. Creo que hemos hecho el tipo de disco que nos propusimos hacer desde el principio. Es un disco muy crudo y desnudo. Para el siguiente álbum, sin embargo, podremos tomarnos nuestro tiempo.

Big Harp se ha embarcado en un viaje familiar por carretera para presentar su primer álbum. ¿Una necesidad económica o una necesidad vital el ir con toda la familia?
Chris: Bueno, obviamente Stefanie y yo tenemos que salir de gira, pero es difícil para nosotros dejar en casa a los niños mientras ellos son tan pequeños. En cuanto a la economía, realmente no estamos haciendo dinero tocando en los conciertos en estos momentos. En el mejor de los casos, encontramos el punto de equilibrio o de no perder demasiado dinero.

Una gira de presentación que están realizando por EE.UU., pero ¿visitarán Europa para realizar algún concierto?, ¿tienen previsto venir a España?
Chris: ¡Nos encantaría! En este momento no tenemos nada pensado en Europa, pero si la oportunidad se presenta vamos a aprovecharla.

Stefanie es también fundadora de Omaha Girls Rock, un campamento de rock ‘n’ roll para niñas que abrió sus puertas en julio de 2011. ¿Cómo surgió la idea de este campamento?
Stefanie: Hay otros campus de rock en Estados Unidos, el más famoso en Portland. Me enteré de ellos por mi hermano y su esposa, e inmediatamente pensé que era algo que debía llevar a Omaha, una ciudad en la que viví esporádicamente durante ocho años y con la que tengo un montón de estrechos vínculos. Tocar música me ha aportado mucho a lo largo de los años en términos de confianza y autoestima, por eso quería tratar de entregar algo de esa confianza y autoestima a las niñas.

Finalmente, ¿hasta dónde les gustaría llegar como banda en un futuro?
Chris: Ahora todo nos va bien, pero siempre vamos a tocar música juntos, incluso si nadie nos oye tocaremos para nosotros mismos.

+ Info Big Harp:
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Love Wars

2012-02-19T09:30:00.000+01:00

by Vicente Bonet Martínez.

Los cortometrajes madrileños y valencianos se suben al AVE

2012-02-18T12:00:00.000+01:00

La Escuela de la Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid (ECAM), el Instituto Valenciano del Audiovisual y la Cinematografía (IVAC) y Renfe han creado el ciclo de cortometrajes “AVE, trayecto en corto”, del que podrán disfrutar durante los meses de marzo a junio los viajeros de la línea de alta velocidad que une Madrid y Valencia.

Al acto de presentación del acuerdo asistieron el secretario autonómico de Cultura y Deporte de la Comunitat Valenciana, Rafael Ripoll; el director general de Promoción Cultural de la Comunidad de Madrid, Amado Giménez; el director de la ECAM, Fernando Méndez-Leite, y la directora general del IVAC, Nuria Cidoncha.

Esta iniciativa nace con la intención de promocionar la producción audiovisual nacional, en este caso la madrileña y la valenciana, y se enmarca dentro de los actos de celebración del primer aniversario del AVE Madrid-Valencia. Los cortometrajes se emitirán durante los fines de semana, desde el viernes por la tarde hasta el domingo, durante los meses de marzo a junio y se verán un total de 22 producciones. De los cortometrajes que se emitirán, doce serán de autoría valenciana y otros diez de procedencia madrileña.

Una vez finalizada la emisión del ciclo de cortometrajes, Renfe organizará una gala en la que se entregarán dos premios, uno se concederá al mejor corto valenciano, y otro a la mejor producción madrileña. La dotación será de 3.000 euros cada uno. Un jurado compuesto los viajeros del AVE será el encargado de valorar las cintas participantes.

Se calcula que un total de 300.000 espectadores disfrutarán de los cortos durante los meses de la emisión. Las producciones se podrán ver gracias al sistema de televisión por circuito cerrado del que disponen los trenes de Alta Velocidad. Dos de cada tres viajeros utilizan el Canal del Tren, un canal que es considerado por el 80 por ciento de los viajeros como una de las mejores opciones de entretenimiento.

De esta manera, los trenes AVE que unen Valencia y Madrid se convierten en un nuevo concepto de espacio para la proyección de cine. Las nuevas formas de expresión y de creación artística llegan al tren al encuentro de un público diferente: un público dinámico, variado y en constante movimiento.

Fotografía: Mikel Ortega.

Leiva estrenará su primer disco en solitario en un Secret show de Myspace

2012-02-17T08:00:00.000+01:00

Leiva será el protagonista del decimoquinto Vodafone Secret Show de MySpace, que por segunda vez se celebrará en Barcelona. El público catalán podrá disfrutar gratis de su concierto el próximo martes día 28 de febrero en la sala Bikini, antes de la gira de presentación oficial de su primer álbum en solitario, Diciembre, que arrancará en el mes marzo.

El guitarrista y principal compositor del grupo Pereza estrena su primer trabajo discográfico en solitario, que ha sido producido por el propio Leiva y se publicará el próximo 21 de febrero. Trece canciones de rock, entre las que se encuentran “Nunca Nadie”, un tema que recrea a la perfección el sonido del disco, senda que continúa en la bella y enigmática “Eme”, sin olvidar el rock más contemporáneo que despliega en “92”.

Cierran el álbum dos colaboraciones en las letras: la desgarradora saeta carcelaria “Vis a vis”, trasformada en medio tiempo de guitarra acústica y arreglos de violonchelo y trompeta, escrita por el músico y escritor Suárez ‘Babas’, y la canción “Sudando la tristeza”, letra de Quique González que equilibran con sabiduría la solemnidad lírica de muchos momentos del disco.

Como viene siendo habitual en la celebración de los Vodafone Secret Shows, el concierto se celebrará en un recinto con aforo reducido, la sala Bikini de Barcelona, para los usuarios de MySpace que más madruguen. No hay entradas a la venta y para acceder a la sala, hasta completar aforo, bastará con que impriman su propio perfil de MySpace y, al mismo tiempo, tengan el perfil de Vodafone Secret Shows en su top de amigos.

Imágenes cedidas por Nota Bene.

Joe Crepúsculo: “La industria discográfica ha gastado mucha saliva endemoniando Internet sin querer adaptarse”

2012-02-16T08:00:00.000+01:00

Joe Crepúsculo es uno de los músicos más particulares y creativos del país, que acaba de editar su quinto trabajo discográfico, El caldero, en el que ha trabajado durante el pasado año controlando cada detalle, cada sonido y cada letra. El resultado son trece canciones de un estilo y temática muy variada que se mezclan entre sí en un guiso realizado a fuego lento, y que seguro sorprenderá a quien ya lo conoce tanto como entusiasmará a aquellos que nunca han tenido el placer de escucharlo.

Si de algo puede presumir Joël Iriarte es de haber sido fiel a sus principios y a su propia música en su corta carrera discográfica en solitario, hasta llegar al punto de ebullición correcto. Su momento ha llegado con un álbum que impresiona sin dilación alguna, no obstante ha firmado con Mushroom Pillow, uno de los sellos independientes más importantes en España. Es el año de Joe Crepúsculo, es el año de El caldero.

El 6 de febrero publicabas tu nuevo disco, El caldero. ¿Se trata de una nueva versión de tu característico sonido tecno-pop cargado de letras tan descaradas?
Es una evolución de mis discos, pero por otro lado es también una ruptura que ha intentado coger un poco de los anteriores discos, de Nuevo ritmo, de Chill out y de Supercrepus. Se trata de juntarlo todo y hacer una pasta. Incluso hay gente que dice que este disco suena más a Supercrepus, pero también se debe a la caja de ritmos, a que lo he producido yo, y a que no hay guitarras ni baterías. Eso lo acerca a los anteriores, pero a mí me gusta verlo más como una evolución con mucho ritmo latino, con un par de temas que tienen más relación con Nuevo ritmo.

El 16 de enero se podía escuchar en formato digital “Enséñame a amar”, el sencillo adelanto dedicado al amor. ¿Esta era la carta de presentación ideal para un disco que tiene una temática tan variada?
La elección se debe a varias razones, la primera era la forma de la canción porque quería que fuera directa con el amor como tema central, pero que fuera un poco atemporal con una letra que podría ser de una canción de los años 70, 80 o incluso de una canción de hoy mismo en la Cadena Dial. Pero igual la envoltura es distinta, más personal, y pensaba que con un single que fuera más accesible le iría mejor al disco, si cogía una canción como “La higuera”, que también funciona muy bien, igual sería muy parcial. Creo que el amor no explica lo que es todo el disco pero sí una parte importante.

Has estado grabando este disco durante casi todo el año 2011. Cuando un artista está trabajando tanto su sonido, ¿no se corre el riesgo de retorcerlo demasiado y perder esa chispa de espontaneidad?
Sí que hay riesgo, y era una cosa que temía, entregarlo muy masticado, pero lo he hecho de una forma muy pausada y tranquila. El desarrollo fue de una forma muy simpática, porque cogía las canciones y me las ponía mientras paseaba por Barcelona e iba apuntando cosas, y cuando llegaba a casa las cambiaba. Luego las dejaba reposar y las volvía a escuchar, intentaba buscar un poco lo que necesitaba cada canción, pero no estaba encima del disco todo el rato.

Si el público escucha por completo este nuevo álbum podrá comprobar que hay un claro retorno a tus melodías iniciales, a discos como Supercrepus. ¿Era una finalidad vital el volver a explorar el camino realizado?
Ha sucedido tal cual, no me he plantado que se relacionara con Supercrepus. Nunca lo pensé así, como una continuidad, sino como una evolución de las cosas, de los sonidos. Igual suena un poco más limpio todo, porque Supercrepus tenía una frescura que lo hacía más inmediato. Por eso este disco creo que la gente tardará un poco más en cogerlo, quizá no le entre a la primera. Este disco tiene unas melodías y un proceder que no se pega tanto en el primer contacto. También he intentado aprender muchas cosas y mantener cada detalle en su momento, que las canciones más instrumentales estuvieran en la mitad del disco para que respirara un poco, no presionar a la gente con tanta canción, tanta melodía y tanta voz.

Un trabajo discográfico que editas con el sello Mushroom Pillow, con el cual has fichado a finales del pasado año. ¿Te sientes afortunado al estar en la nómina de artistas de una discográfica independiente tan reconocida en nuestro país?
Sí, estoy muy contento de estar en Mushroom Pillow, y hasta el momento las cosas están yendo muy bien. También quiero conseguir la estabilidad porque voy cambiando de discográfica casi con cada disco, y no es porque haya querido, sino por otras razones. Todo el trabajo que estamos haciendo creo que tendrá su resultado, y a nivel musical he hecho el disco que quería hacer, tengo mi forma de hacer las cosas independientemente de si estoy con Mushroom o de cuando estaba en otra discográfica.

Ya se ha confirmado que estarás presente en el Primavera Sound y en el FIB, pero ¿para cuándo comienzas la gira de presentación de tu nuevo trabajo discográfico?
El comienzo de la gira se va a confirmar dentro de poco, y empezaremos en el mes de abril. Será una gira con banda, y estamos trabajando ya en el directo, preparando los sonidos y buscando un poco más de contundencia a partir de lo simple. Se trata de tocar un poco más potente, y nos lo pasaremos bien. Creo que a la gente le gustará.

¿A qué se debe ese gusto tan particular por el sonido más ochentero y melódico de la música nacional?
Yo no lo veo ochentero, lo que veo es que en los años 80 había mucha caja de ritmos y esa es una de las razonas por las que mi sonido se relaciona con eso. Otra de las razones es que en los años 80 se hizo lo que se quiso con mucha guitarra y con mucha influencia del rock. Creo que cuando se habla de la influencia de los 80, en realidad lo que ocurre es que tengo influencias similares de ese momento, con grupos de los años 70 y por eso hago cosas que guardan muchas similitudes, pero no es mi intención.

Has publicado algunos de tus discos con licencia Creative Commons, colgándolos en tu página web para uso y disfrute de todo el mundo. ¿Con ello reafirmas el posible futuro de la música o es una forma más de darte a conocer a un público más generalista?
No tengo muy claro cuál debe ser el formato ideal, pero lo que está muy claro es que Internet va a manejar el cotarro, va a ser el elemento básico para el futuro con un claro descenso de los formatos físicos. Tiene que haber una solución, una forma en la que el músico y el consumidor de música lleguen a un punto común, porque hasta ahora creo que no ha habido un esfuerzo por parte de la industria discográfica por querer adaptarse, todo lo contrario, han gastado mucha saliva endemoniando Internet sin buscar las alternativas posibles. Mientras hacían esto muchas empresas se han llevado el gato al agua como ha ocurrido con Megaupload, aunque no creo que esa forma fuera la buena, que la gente se enriqueciera con lo que hacen otras personas por el simple hecho de tener unos servidores. Creo que tiene que haber otras formas y deben gastarse el aliento en lo necesario, en lo importante que es Internet, que sea una vía de negocio porque tiene una forma de promoción y distribución perfecta. Hay que saber utilizarla de una manera adecuada.

En el año 2008 publicaste Supercrepus, una producción que fue elegida como Mejor Álbum Nacional por la prestigiosa revista Rockdelux. ¿Uno se siente orgulloso de reconocimientos como este cuando acaba de comenzar su carrera en solitario?
Fue algo muy bueno para el desarrollo de mi carrera, sino hubiera sido por este tema imagino que estaría haciendo discos para cuatro gatos en Barcelona o en Madrid. Pero no tomo en cuenta estas cosas a la hora de trabajar, ni creo que influyan en mis discos. Tampoco es que crea mucho en esto de las listas de las mejores canciones, porque la cultura no puede ser una competición.

Después de cuatro discos en tan poco tiempo, ¿qué ha cambiado en la música de Joe Crepúsculo y qué permanece en su memoria individual?
He evolucionado mucho, aprendiendo a mezclar con los discos de Chill out y Nuevo ritmo. Al principio era más músico que productor, porque no he estudiado de ingeniería. Me quedan muchas cosas por aprender, una autopista entera.

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Joe Crepúsculo – “Enséñame a amar”

Imágenes cedidas por Mushroom Pillow Music.

Analogic: “Si a la gente le ha gustado el disco seguro que les gustan nuestros conciertos”

2012-02-15T08:00:00.000+01:00

La ópera prima de Analogic, de título homónimo, es un compendio de creatividad, personalidad y aplomo que sorprenden en una banda tan joven que se formó en el año 2009. Once canciones perfectamente orquestadas que contienen una fiesta desbocada, un baile hipnótico con ritmos bailables de alto voltaje con tintes psicodélicos y sureños. Un debut ecléctico que se grabó el pasado año en Mia Estudios, Murcia, bajo la producción de César Verdú, y masterizó Nathan James en The Vault Mastering Studios de Nueva York.

La banda murciana está presentando en directo su trabajo discográfico y llegan a Madrid para descargar toda su energía. Mañana estarán en acústico en el fórum de Fnac Castellana y el 16 aterrizarán en la sala madrileña Moby Dick Club. Después continuarán gira por todo el territorio nacional durante los primeros meses de este año 2012.

En noviembre del pasado año publicabais vuestro álbum debut homónimo autoeditado. Hasta el momento, ¿cómo estáis percibiendo la respuesta del público a vuestra nueva propuesta?, ¿se han cumplido vuestras expectativas?
Por el momento sí, ha superado nuestras expectativas en sonido, en producción y estamos súper contentos. Por el momento queda gente por conocer el disco, aunque no hemos empezado esta gira, pero en las redes sociales ya se está reflejando, incluso en la venta de discos. Hemos tocado muy poquito desde que sacamos el disco, nos hemos estado guardando un poco por el hecho de que empezamos una nueva gira y que la gente no se canse antes de salir. El tener unos resultados que son buenos antes de empezar es genial, estamos teniendo mucha suerte.

En el verano de 2009 se formaba Analogic, ¿cómo se formó la banda y cómo se ha desarrollado hasta ahora?
Algunos de nosotros estábamos antes en un grupo, pero se acabó. Más tarde comenzamos a buscar gente para formar una nueva banda, con bajo y guitarra, y al final decidimos que Julio hiciese los bajos con el teclado. Después nos presentamos a muchos concursos, algo que te puede ir bien o te puede destruir, pero nosotros tuvimos la grandísima suerte de que nos presentamos a mogollón de concursos y en muchísimos nos cogieron, no hemos ganado tantos como quisiésemos (risas), pero la verdad es que nos ha beneficiado tanto a nivel económico como a nivel de medios. El que nos eligieran Grupo Demoscópico de Mondo Sonoro nos ayudó un montón, luego el Creajoven 2010 fue muy bueno, fue una gran suerte.

Vuestro sonido se acerca a influjos psicodélicos y sureños, impregnados de ritmos bailables. ¿Cuáles son las influencias que hacen realidad estas melodías que ahora presentáis?
La verdad es que se juntan muchas influencias en el grupo, porque muchos tenemos influencias de grupos clásicos, otros más modernos, pero nos gusta pensar que las influencias en la música desde los años 50 hasta ahora son un poco atemporales, porque podemos escuchar a The Killers, Arcade Fire o The Strokes, como a grupos de otra época distinta como The Doors o The Beatles. No nos ponemos límites a la hora de escuchar música, simplemente vamos picoteando un poco de cada cosa, y así ha surgido el sonido del disco, porque tampoco nos hemos cerrado a estilos distintos, por eso nuestro disco tiene muchos matices. Siempre manteniendo nuestro carácter, la producción, el sonido,… Nos gusta lo que hacemos y realmente no nos paramos a pensar si es de una forma o de otra, al final lo que acaba saliendo es un sonido que nos tiene que convencer.

“Gliese 581C” es vuestro primer sencillo, vuestra carta de presentación de lo más bailable y pegadiza. ¿Esa es vuestra máxima a seguir?
Elegimos la canción por votación, porque es muy bailable y reunía las mejores condiciones para empezar un disco. Puede ser que nuestros temas puedan salir como “Gliese 581C” o no, pero no es una cosa que nosotros le demos muchas vueltas, las canciones se abren de las ideas con las que llegamos al local de ensayo.

El disco ha sido producido por el músico, técnico de sonido y productor murciano César Verdú, que ha trabajado con grandes bandas nacionales como La Buena Vida, Los Planetas o Nada Surf. ¿Era la persona indicada para sacar lo mejor de vuestro sonido o era un gran profesional accesible para vosotros?
Realmente a César Verdú no lo conocíamos hasta que tuvimos la suerte de que nos sonorizase en las semifinales del Creajoven 2010, cuando terminamos de tocar esa noche se acercó y nos dijo que le había gustado, a partir de entonces nos prestó su ayuda y nosotros le propusimos producir el disco. Le pasamos la maqueta y el caso es que le gustó, y nos metimos a grabar con él. Además, nos aportó cosas que nos gustaba, y eso nos hizo pensar que tenía que trabajar con nosotros. A día de hoy nos sigue ayudando, y que alguien tan grande esté ahí para nosotros es increíble.

Mientras que la masterización ha corrido a cargo de Nathan James en Nueva York, ¿fue un trabajo que realizasteis conjuntamente?
Sí, aunque fue un trabajo a distancia. Nathan James es una persona de confianza de César, que ha trabajado muchísimas veces con él, y sabía que el resultado que iba a ofrecernos era bueno, y por eso decidimos masterizar con él. Fue todo un acierto.

En general, ¿el proceso de composición y grabación del disco fue un momento único en vuestras vidas?
La mayoría de nosotros ya habíamos entrado en un estudio, pero realmente el hacer esto fue mucho más grande. A lo mejor a la hora de grabar la diferencia no es tanta, porque la ejecución tiene que ser perfecta, sea un estudio muy bueno como si es peor, pero sí que se nota a la hora de hacer las mezclas, suena mucho mejor y empiezas a notar detalles que al final acaban definiendo el sonido, que acaban dándote ese toque. Nunca lo habíamos vivido así, además es el primer disco que hemos grabado y eso te hace que tengas mayor compromiso, que te lo tomes más en serio.

El próximo 16 de febrero actuaréis en la sala Moby Dick de Madrid. Cuando hablamos de conciertos en vivo y en directo, ¿qué se puede esperar de Analogic?
Nosotros intentamos transmitir bastante, que la gente se lo pase bien, que salte, que baile y que grite, notar una reciprocidad con el público y explotarlo al máximo. En definitiva, que sea un concierto en el que no haya aburrimiento en ningún momento. Intentamos mantener la línea bailable en directo, intentando que no pierda la caña y el ritmo que tienen en el disco. Quizá hay algunas canciones que en directo les falta algo y otras que valen mucho más en concierto que en el disco. Cuando grabamos el disco intentamos no sobrecargar en producción para no hacer un cambio muy grande en directo, que no sonara muy diferente, y si a la gente le ha gustado el disco seguro que les gustan nuestros conciertos.

Ya estáis confirmando varias fechas para vuestra gira de presentación, ¿cuáles son vuestros planes para este año en cuanto a conciertos y festivales?
No sabemos nada aún, ojala pudiéramos decir que tenemos cerrada gira durante todo el año (risas). Tenemos confirmados conciertos hasta finales de marzo, y conforme nos vayan saliendo conciertos los iremos poniendo en nuestra página web para mantener informada a la gente. Y en festivales, ojala pudiéramos anunciar que vamos a tocar en cinco o seis festivales, eso sería genial, pero de momento no hay nada.

Para un grupo tan joven al que todavía no conoce mucha gente, ¿cómo se definirían los propios protagonistas?
Pregunta complicada (risas), el hecho de definirte cómo eres,…, mola más que la gente diga cómo eres (más risas). Quizás nos definiríamos como un grupo con ganas de hacer cosas, optimistas, que intentamos transmitir fuerza desde el primer momento, como si diéramos un puñetazo en la mesa y así crear un impacto entre la gente, pero también es muy importante para nosotros que se cree un feedback con el público, que haya un buen rollo, que disfrutemos nosotros y disfrute el público.

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+ Info gira Analogic:
14 de febrero – Fnac Castellana – Madrid.
16 de febrero – Sala Moby Dick Club – Madrid.
17 de febrero – Pub La Nota – Caravaca, Murcia.
24 de febrero – Sala 12 y Medio – Murcia.
16 de marzo – Sala Sidecar – Barcelona.
17 de marzo – Mag Festival – Vic, Barcelona.
18 de marzo – Sala Centrick – Zaragoza.
23 de marzo – Sala Plexiglás – Albacete.
30 de marzo – Sala Círculo del Arte – Toledo.
31 de marzo – Sala La Matriz Creativa – Cartagena, Murcia.

Analogic – “Gliese 581C”

Imágenes cedidas por I’m an Artist.

#Igualismo

2012-02-14T08:00:00.000+01:00

by Quilmes

Amancio Prada actuará en el ciclo de conciertos Madridpresenta

2012-02-13T08:00:00.000+01:00

Amancio Prada actuará el próximo martes 14 de febrero en el Teatro Bellas Artes de Madrid dentro del ciclo de conciertos Madridpresenta 2012, presentando su espectáculo “Trovadores, Románticos y Libertarios” en el que canta a los primeros trovadores galego-portugueses, como Gil y Carrasco, Gustavo Adolfo Bécquer, Rosalía de Castro, Chicho Sánchez Ferlosio, Léo Ferré o Agustín García Calvo.

Prada (Dehesa, Ponferrada – 1949) es un cantautor y compositor con una dilatada carrera musical en la que ha publicado cerca de treinta discos. Ha tenido siempre una base literaria que a lo largo de su discografía viene conformando un recorrido antológico por la lírica peninsular, desde las cantigas de los primeros trovadores galego-portugueses de los siglos XII y XIII, pasando por el romancero, Juan del Enzina, Jorge Manrique, San Juan de la Cruz y Rosalía de Castro, hasta la obra de numerosos autores contemporáneos como Federico García Lorca, Agustín García Calvo, Manuel Vicent o Álvaro Cunqueiro, a quienes ha dedicado grabaciones monográficas.

Su presentación artística tuvo lugar en París durante el mes de diciembre de 1972, junto a Georges Brassens. En Francia se dio a conocer apareciendo en la televisión y en las radios francesas, e incluso grabó su primer álbum, Vida e morte. A partir de ese momento comenzó una larga etapa de producción de trabajos discográficos, con numerosas actuaciones por todo el mundo. Ha participado en un gran número de festivales internacionales como el Festival de Música Antigua de Saintes, el Festival de Música Sacra de Maastricht o el Festival de Ravenna, entre muchos otros.

Su trayectoria profesional ha merecido diversas distinciones entre las que cabe destacar la Medalla IV Centenario de San Juan de la Cruz, en 1991, la Medalla Castelao de Galicia en 1995, la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de Madrid, en 2001, el Premio Castilla y León de las Artes en 2005, el Premio Xarmenta 2006 por su defensa de la lengua gallega de El Bierzo, el Grand Prix du Répertoire Sacem (París, 2008) y en 2010 la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

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Imágenes cedidas por Madridpresenta.

Muere la cantante norteamericana Whitney Houston

2012-02-12T19:00:00.000+01:00

Whitney Houston ha muerto el sábado en el hotel Beverly Hilton de Los Angeles, a los 48 años de edad por causas aún desconocidas. La cantante norteamericana se encontraba preparándose para acudir a una fiesta antes de los premios Grammy que organizaba Clive Davis, el magnate musical que descubrió a Houston en los inicios de su carrera musical.

La policía de Beverly Hills confirmó que el servicio de emergencias acudió a la llamada del hotel y halló el cuerpo sin vida de la artista musical en la bañera de una habitación de la tercera planta del Beverly Hilton sobre las tres y media de la tarde, hora de California -las doce y media de la noche en España-. Los médicos trataron de reanimarla durante veinte minutos sin éxito. Aunque aún se investiga las causas de su muerte, los servicios de emergencia aseguran que no presentaba signos de violencia, sin embargo hallaron numerosos frascos de barbitúricos en su habitación.

Whitney Elizabeth Houston (Newark, Nueva Jersey – 1963), se convirtió en una de las cantantes más famosas del mundo en los años 80 y 90, interpretando composiciones de rhythm and blues, pop y góspel que la convirtieron en la artista más galardonada de todos los tiempos según el Guinness World Records, con seis premios Grammy, treinta premios Billboard Music Awards o 22 American Music Awards, hasta alcanzar más de cuatrocientos laureles en su carrera musical. También está considera una de las artistas musicales con mayor número de discos vendidos en todo el planeta, con más de 150 millones de copias facturadas.

Clive Davis fue su descubridor y mentor desde que en 1983 la escuchara cantar en el club neoyorquino Mikell’s, a partir de entonces el fundador de la compañía discográfica Arista Records le ofreció un contrato y comenzó la grabación de su álbum debut, Whitney Houston, que se puso a la venta en 1985 con gran éxito de público y crítica. Desde ese momento llegó su salto a la fama y su consagración definitiva con siete trabajos discográficos.

Destacó además como compositora, productora, empresaria, modelo y actriz; faceta ésta última que le encumbró al punto más álgido de su carrera cuando en el año 1992 interpretó un papel como protagonista en El guardaespaldas, junto a Kevin Costner. Poco después, Houston vivió un lento derrumbe en su trayectoria en la que se mezclaron las drogas, el alcohol y los problemas familiares, hasta que en 2006 vuelve a reaparecer ante la opinión pública recuperada de sus problemas con el consumo de cocaína y marihuana. Incluso publico el 1 de septiembre de 2009 su último trabajo discográfico, I look to you, en el que contó con algunas colaboraciones de lujo como Alicia Keys, Diane Warren, Stargate, R. Kelly y Akon, que cantó a dúo con Whitney Houston la canción “Like I never left”.

Fotografías: Asterio Tecson.

Bebe: “Quería hacer algo que no había hecho antes, eso no significa que haya transgredido nada”

2012-02-10T12:00:00.000+01:00

Bebe acaba de publicar su tercer trabajo discográfico, Un pokito de rocanrol, con once nuevas canciones grabadas el pasado año en los Studios Ferber de París, Francia, y producidas por Renaud Letang. El resultado final supone un cambio radical en su música, una exploración por campos sonoros que hasta ahora no eran habituales en su carrera musical, algo que ha sorprendido a propios y extraños, creando una expectación inusual a su alrededor.

La cantante extremeña se encuentra muy orgullosa y muy feliz con su nuevo disco, presume de ello y no lo oculta en ningún momento. Ahora más que nunca, reafirma sus valores como ser humano y como artista, desdeña cualquier atisbo de polémica creada a su alrededor y se centra ya en la preparación de su nueva gira, que comienza hoy viernes 10 de febrero en la ciudad de Sevilla.

Acaba de presentar su tercer disco, Un pokito de rocanrol. ¿Ha llegado el momento de evolucionar en su sonido hasta llegar a este punto?
Para mí sí, por eso lo he hecho así. Quería hacer algo que no había hecho antes, eso no significa que haya transgredido nada, no me lo planteo siquiera, simplemente he intentado hacer algo que me apetecía muchísimo y que no sonara igual que lo anterior. La vida va cambiando y uno va creciendo, las circunstancias que uno va viviendo es lo que te hacen que esas cosas cambien. Evidentemente, ahora leo las cosas de otra manera, y mis prioridades han cambiado desde que soy madre, pero para mí sólo ha cambiado la lectura, el humor negro mucho más afilado, y eso se refleja también en la música.

“K.I.E.R.E.M.E.” es su carta de presentación, con una actitud rebelde, inesperada y un poco punk. Muchos lo han catalogado como un tema arriesgado y muy distante de su elegante pop rock de raíces. ¿Cómo lo definiría su propia creadora?
Yo la definiría como una pataleta de una niña chica pidiendo que la quieran, que la mimen. Me encanta “K.I.E.R.E.M.E.”, de hecho me apetecía que fuera la primera canción porque me parecía súper alegre, y dice cosas bastante más profundas de lo que parece, lo que pasa es que está dicho con palabras muy sencillas, con una lectura muy diferente. Antes, la lectura en todas las cosas que hacía era mucho más melancólica, y aquí lo que hay es mucho humor, otra manera de pedir o decir las cosas.

Para este trabajo ha cambiado su constante en la producción, de Carlos Jean ha pasado a trabajar con el francés Renaud Letang. ¿Cómo surgió esta elección de productor?, ¿en qué aspectos artísticos se fijó para trabajar con él?
En nada, quería trabajar con alguien que no supiera nada de mí ni yo de él, porque así evitaba ideas preconcebidas, prefería ir a la aventura. Hay un cambio muy radical, con Carlos aprendí a trabajar mucho con programaciones, y con Renaud todo ha sido más orgánico, que era lo que yo quería en este momento, que todo fuera tocado y la energía fuera de otra manera. En este disco llegué con las canciones palmeadas en la grabadora, cambiando los ritmos o las estrofas para hacerlo de guía, después Renaud, los músicos y yo hablábamos, yo les decía por aquí y ellos proponían, después nos metíamos a grabar directamente la primera parte y ya sobre eso currábamos. Eso ha sido súper chulo, ha sido una manera de aprender a mantener la concentración muy clara pero sin ningún estrés. Y luego el maravilloso mundo de las teclas que en los anteriores discos no las había utilizado apenas, y aquí Renaud es muy bueno. Por eso el teclado y la batería son los grandes protagonistas para mí en este disco.

Phil Manzanera, el que fuera guitarrista de Roxy Music, fue una de las primeras opciones para producir su nuevo disco. ¿Qué ocurrió al final para que se descartara su producción?
Empecé a enredar un poquito con Phil, que es maravilloso, y me ayudó un poco a engranar la maquinaria otra vez, a ponerme a currar porque había salido del embarazo y tenía que empezar. Me fui allí con él un par de semanitas y enredamos un poco, pero él y yo estuvimos hablando y no llegábamos a ningún lugar. No tuvimos ningún mal rollo ni nada, pero me vino muy bien todo lo que es ponerme a trabajar ya, irme a Londres y empezar a ponerme en marcha.

Después se fue a París para grabar en los Studios Ferber, sin más equipaje y compañía que su voz y sus composiciones. Hay que reconocer que le echó valor y coraje…
Pero no hubo soledad, en París éramos cinco personas trabajando todo el rato en el estudio. Curraba sola antes de irme para Francia, y luego me fui en tandas de una semana o diez días. Antes de irme yo llevaba cinco temas ya preparados, pero no llevaba apenas nada grabado, sólo la melodía y la música en la cabeza. Como en la primera semana fluyó muy bien todo ya fui con ritmo y con energía, ni siquiera tenía que irme a ningún lado, aprovechaba las noches que mi hija dormía (risas) y curraba, luego me volvía a París y seguíamos trabajando. La verdad es que ha sido muy chulo, cuando tienes que aprovechar el tiempo al máximo es otra manera de trabajar y te das cuenta de que puedes organizarte y aprovecharlo, pero tienes que estar concentrada.

Allí grabó con el propio Renaud Letang y con músicos de su equipo. ¿Qué le aportaron ellos a su música además de un sonido más percutido?
Muchísimo, la energía tocada que es más fuerte. Se nota muchísimo porque Renaud tiene un equipo de varios músicos que trabajan juntos desde hace muchos años, y ellos fueron los que hicieron el disco conmigo. Son unos tipos maravillosos y rápidos, gente que está muy acostumbrada y muy centrada, por eso son muy rápidos y muy frescos a la hora de coger las cosas, incluso ellos proponen. Tienen mucho que ver en este disco, además me divierto mucho con ellos. Tenía muchas ganas de trabajar con gente totalmente diferente.

Con la perspectiva del paso del tiempo, ¿está contenta con el resultado final?
¡Contentísima!, me encanta. Me hubiera quedado un año entero allí viéndolos trabajar sentada en un sofá maravilloso que hay allí echo polvo.

El pasado 29 de noviembre presentaba su nuevo trabajo discográfico ante la prensa y después llegó la controversia, que finalizó con un “hijos de puta” o “que os follen bien a todos”. ¿Por qué ese comportamiento tan agresivo contra la prensa?
No, por lo visto aquello sólo se lo dije a un periodista, pero tal vez se lo tenía que haber dicho, es el único que se ha ofendido, es el que tenía ganas de gresca porque yo no se lo dije insultando a nadie. Es una jerga que utilizo muchísimas veces en los conciertos, y a mí no se me ocurre decirle a nadie “hijo de puta” sino tengo por qué, y menos en la presentación del disco, tonta tampoco soy, no voy buscando camorra, es algo ridículo.

El próximo 10 de febrero comienza su gira de presentación en Sevilla, ¿cómo está preparando los temas de su nuevo disco para trasladarlos al directo?,
Estamos ensayando mucho. Las canciones quiero que suenen lo más fiel al disco, porque me apetece mucho y es un currazo, pero mola. Lo bueno que tiene el directo es que a lo largo de la gira las canciones se vuelven mucho más libres y ya puedes darles la vuelta como ha pasado en los otros discos. Pero en estos primeros conciertos quiero que suenen lo más fiel posible, para coger seguridad y ritmo con ellos, y luego irlos mezclando de forma más alocada con las otras canciones.

¿Eliminará de su repertorio en directo sus temas más antiguos?
No, para nada, todo lo contrario, ahora ya tengo más canciones y es mucho más divertido. Ahora puedo utilizar en un concierto unas canciones o si me apetece otras, eso es lo bueno, que hay más variedad. Y también ha pasado más tiempo del primer disco, y de repente se rescatarán más de las antiguas que hace tiempo que no se tocan. Algunas se adaptarán y otras no, pero según salgan.

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+ Info gira Un pokito de rocanrol:
10 de febrero – Sala Custom – Sevilla.
11 de febrero – Sala Paris 15 – Málaga.
17 de febrero – Festival Mil-Lenni – Barcelona.
24 de febrero – Sala Oasis – Zaragoza.
25 de febrero – Sala Jimmy Jazz – Vitoria.
01 de marzo – Sala Joy Eslava – Madrid.
28 de marzo – Sala Crocus City Hall – Moscú.
29 de marzo – Sala Kosmonavt Club – San Petersburgo.
13 de abril – Valladolid.
14 de abril – Sala Oh! – León.
20 de abril – Teatro López de Ayala – Badajoz.
21 de abril – Sala Metrópolis – Córdoba.
27 de abril – Escenario Santander – Santander.
28 de abril – Sala Casino Acapulco – Gijón.

Bebe – “K.I.E.R.E.M.E.”

Fotografías: Carmen García Pintado.

Klaus&Kinski: “Hemos intentado centrarnos más en algunos aspectos reconocibles de nuestro sonido”

2012-02-07T08:00:00.000+01:00

Klaus&Kinski están de vuelta con su tercer trabajo discográfico, al que han titulado Herreros y fatigas, publicado ayer bajo el sello Jabalina Música. Una producción en la que el quinteto murciano sigue haciendo gala de su eclecticismo sonoro como seña de identidad, aunque ahora imprimiendo mayor potencial a la electrónica y la música pop más ambiental.

Alejandro Martínez Moya y Marina Gómez Carruthers son los dos miembros fundadores de esta banda tan valorada y respetada en los círculos alternativos nacionales más especializados. La Huella Digital ha conversado con ambos en una entrevista distendida sobre su nuevo álbum, su gira de presentación que comenzarán en el mes de marzo y sus primeras impresiones.

Acabáis de publicar vuestro tercer trabajo discográfico, Herreros y fatigas, ¿qué sonoridades van a estar presentes en esta nueva producción?
En realidad no va a ser muy diferente de los anteriores discos, quizá hay menos dispersión estilística, aunque para muchos que nos escuchen por primera vez le va a parecer muy variado, porque es hasta cierto punto inevitable que nuestra música suene muy variada y ecléctica. Pero quizás en este disco hemos intentado centrarnos más en algunos aspectos reconocibles de nuestro sonido, básicamente porque nuestro sonido se ha ido destilando con el paso del tiempo, y ya es inevitable encontrar un pequeño libro de estilo o algunos rasgos de producción que nos gustan y creemos que nos funcionan. Y también era el momento de afrontarlo de este modo.

¿Eso quiere decir que se trata de un disco más lineal?
Quizá sea más lineal, aunque luego habrá gente que le sorprenda que digamos esto porque no les parezcamos nada lineales. Desde luego, más que el segundo sí que lo es, porque el anterior es muy dispar y el contraste entre géneros es bastante más extremo que en este. Es un disco que guarda más linealidad, porque está premeditadamente pensado para que tuviera cuatro o cinco canciones electrónicas, que aunque no sean muy parecidas sí guardan cierta similitud.

Antes de finalizar el pasado año poníais a la venta en formato digital “Ojo por diente”, el primer sencillo adelanto del álbum. ¿Será el amor el punto de partida de Herreros y fatigas o sólo está presente en algunas canciones como este single?
Bueno, el single es la canción de amor del disco, pero no creemos que en el disco existan más canciones de amor de este tipo, tan incondicional que juega con el humor negro, un recurso literario emocionante que es sincero y honesto. Al elegir “Ojo por diente” sabíamos que la crítica que se iba a hacer era obvia, porque es la canción más reconocible de nuestro estilo, y no iba a sorprender tanto.

La problemática con la elección de vuestros sencillos es una tónica generalizada en vuestra carrera discográfica,…
Siempre nos cuesta, no porque pensemos que nuestras canciones sean tan buenas, sino porque son muy distintas estilísticamente, y cuando sacas un single es al fin y al cabo para vender tu producto. Por eso nos resulta difícil, porque pensamos qué imagen queremos dar de nosotros, porque si la gente escucha “Ojo por diente” y se tiene que imaginar el disco, la verdad es que no se parece mucho a lo que hay en este single. Al final elegimos esa canción porque pensamos que igual sería la más universal, la que podía llegar a más gente, la que podía democratizar más el gusto.

Si se comparan las portadas de vuestros anteriores discos con Herreros y fatigas, se aprecia cierta diferencia estética en el diseño, ¿qué buscabais con esta portada en la que hay tanta carga simbólica?
Marina siempre hace las portadas porque es diseñadora. Esta es la portada que más nos gusta de todas las que hemos hecho. Queríamos que fuera parte de una línea estética junto a las otras dos, por eso utilizamos el colage, pero por otra parte queríamos que fuera distinta porque las otras dos eran quizá más surrealistas, y esta es una portada más viril en la que está muy marcado el concepto de proletariado, el mundo de la herrería y del tema soviético. Denota el simbolismo con una carga ideológica muy fuerte, que recuerda a la cartelería rusa de estilo constructivista, además de jugar un poco con el título de Herreros y fatigas.

El título tiene unas connotaciones también muy simbólicas, ¿cuál es su origen?
El título viene de una trivialidad que nos gustaba, porque es el nombre de una calle que hay en una pedanía de Murcia. Pero también denota muchas ideas, connotaciones poéticas que nos parecían muy interesantes, con cuestiones tradicionales y costumbristas como el arte de la herrería, que hace pensar en un trabajo muy repetitivo, incluso muy cercano al concepto del flamenco. El título evoca muchas cosas que hicieron muy fácil el trabajo visual, y nos gustaba jugar con ese doble sentido que tiene.

El próximo mes de marzo comenzáis vuestra gira de presentación, ¿cómo estáis preparando esta primera tanda de conciertos?, ¿qué sorpresas tenéis preparadas en directo?
De momento estamos ensayando cada uno su parte y luego vendrán los ensayos generales con un par de semanas a saco. Pero más o menos el groso ya está trabajado, porque como en el disco hay mucha electrónica y mucha labor de pre-producción, hay que trabajar antes en la elección de samples y automatización de los sintetizadores. Llevamos un formato raro que la gente no entiende muy bien en qué consiste, porque no somos una banda típica de pop rock con su batería y sus guitarras, la configuración que tenemos en directo es muy compleja. Una vez acabamos de grabar el disco nos pusimos a pensar cómo trasladábamos el sonido del estudio al directo, y era como volver a empezar de cero porque es un trabajo muy complejo al ser canciones de muchos colores y con distinta instrumentación.

¿Vais a explorar el formato acústico en esta gira?
Lo hacemos cuando nos surge, de vez en cuanto, bien cuando nos contratan para eso o bien cuando se presenta la ocasión. Lo hacemos con más o menos músicos según disponibilidad, es decir, si nos pagan más o menos y podemos cubrir costes. En ese formato acústico no hay guitarras eléctricas, pero hay guitarras acústicas, guitarras españolas, violines, teclados, bajos en algunas e incluso metemos bases distintas y no en todas. Es decir, hacemos algo más variado pero con un rollo más intimista y más delicado.

En algunas publicaciones musicales especializadas os definen como los ‘Pulp españoles’, ¿qué pensáis cuando escucháis cosas como estas?
Nos sorprendió cuando lo oímos porque no lo entendíamos. A mí sí me gusta Pulp –confiesa Alejandro-, pero a Marina no le gusta. No creemos que sea por la música, quizá sea por el humor negro de las letras, no lo entendemos. No es que nos parezca mal, porque la persona que lo dijo lo hacía de buena fe, en el tono que lo dijo nos sentíamos alagados, pero no entendíamos el por qué. Los críticos se dejan llevar por conexiones espirituales, pero nos quedamos de aquella manera.

Desde vuestras primeras grabaciones maqueteras en 2005 hasta ahora, Klaus&Kinski ha pasado a convertirse en grupo de referencia dentro de la música independiente nacional. ¿Qué se siente cuando las cosas cambian tanto en tan poco tiempo?
No sabemos muy bien, porque como no lo vivimos desde dentro es algo que sentimos ajeno. En Murcia nuestra vida es anónima, nos pueden conocer en determinados ambientes muy concretos en Madrid o en Barcelona, pero no nos sentimos como un fenómeno masivo. Nos sorprendemos con estas cosas, porque es una fama de las tres de la mañana en determinados garitos para doscientas personas con unos gustos muy concretos. Pero no nos sentimos muy obsesionados con este tema.

+ Info Klaus&Kinski:
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+ Info gira Herreros y fatigas:
03 de marzo – Sala Santana 27 – en Bilbao.
09 de marzo – Sala El Loco – Valencia.
10 de marzo – Sala La 2 del Apolo – Barcelona.
23 de marzo – Sala Neu!Club (Galileo Galilei) – Madrid.
24 de marzo – Sala La Casa del Loco – Zaragoza.

Klaus&Kinski – “Ojo por diente”

Imágenes cedidas por Miss Labores.

María de Medeiros: “Llevo muchos años de una relación apasionada con la música”

2012-02-06T20:00:00.000+01:00

María de Medeiros se encuentra de estreno con su tercer trabajo discográfico, Pájaros eternos, el primero en el que ha explorado la faceta compositiva de sus propias canciones, alumbrando un disco con ocho temas inéditos y dos versiones. Grabado en los Estudios Eureka junto al músico y productor Fernando Vacas en Córdoba, este trabajo se encuentra en proceso de mezcla en The Bowling’s Studio de Bélgica y saldrá a la venta a finales del mes de febrero.

La actriz, directora de cine y cantante portuguesa presenta por primera vez en directo su nuevo álbum mañana martes 7 de febrero en el Teatro Bellas Artes de Madrid, con The Legendary Tigerman y el propio Fernando Vacas como artistas invitados, dentro de la segunda edición del ciclo de conciertos Madridpresenta. Un estreno mundial que La Huella Digital ha compartido con De Medeiros en una entrevista exclusiva.

El próximo martes 7 de febrero presenta en el Teatro Bellas Artes de Madrid su tercer trabajo discográfico, Pájaros eternos, el primero en el que escribe y compone canciones propias. ¿Siente esta producción como su primera obra musical genuina?
Sin duda, esta es mi primera obra musical propia, porque por primera vez compongo y escribo letras. Pero creo que muchos de los intérpretes que más admiro también aportan mucho de su musicalidad y creatividad cuando abordan temas de otros. O sea que en todas las áreas de interpretación, música, teatro, cine hay una gran parte de creatividad de los intérpretes.

Tras dos discos interpretando a otros autores como Chico Buarque, Caetano Veloso o Gilberto Gil; ¿cómo se ha sentido componiendo y cantando sus propias canciones?
Tengo tanto respeto por los grandes compositores y compositoras de canciones, y también por los músicos de mi familia, que durante mucho tiempo ni siquiera imaginaba poder escribir un tema. Pero a lo largo de estos últimos años presentando conciertos por todo el mundo, conviviendo con músicos, de una forma muy natural, espontánea, empecé a tararear melodías, buscar sonoridades, jugar con las palabras para formar letras.

¿Era un compromiso personal que latía en su fuero interno o surgió a raíz de una chispa adecuada?
Es algo que surgió de forma sorprendente para mí, pero que seguramente latía en el fuero interno. Llevo muchos años de una relación apasionada con la música, que siempre acompañó todas mis actividades.

Para la grabación del álbum ha contado con la inestimable ayuda del guitarrista Raimundo Amador, el músico portugués The Legendary Tigerman o el batería Donald Edwards. ¿Necesitaba sentirse arropada?
Inestimable, es cierto. Como la colaboración de The Legendary Tigerman y de los otros músicos y colaboradores del proyecto. Tanto el cine como el teatro y la música son artes que se hacen en equipo. Y eso me gusta mucho. Son encuentros de sensibilidades, diálogos.

El propio Paulo Furtado -The Legendary Tigerman- estará junto a usted en el concierto que ofrecerá el próximo martes, ¿qué le ha aportado a su música un artista como él, más alejado de su estilo?
Así como me gusta navegar entre los idiomas, las culturas, las artes, tampoco me gusta encerrarme en un estilo musical. Quizás mi estilo es navegar, no le sé. En todo caso, estoy muy feliz de la presencia de The Legendary Tigerman con nosotros este martes en Madrid. Nuestra colaboración empezó por su iniciativa. Él me propuso grabar una versión de “These boots are made for walking” en su álbum Femina.

Luego hicimos en París un espectáculo que mezclaba música, teatro y cine sobre la película Down by law de Jim Jarmush. Ahí creamos juntos el tema “Shadow girl” y una versión de “24 Mila Baci” de Adriano Celentano, que presentaremos en Madrid y están incluidos en el disco Pájaros eternos.

Pájaros eternos es, cuando menos, un título evocador y muy lírico. ¿Cómo surge una eternidad así y hacia dónde viaja su significado?
La idea de Pájaros eternos surgió en la letra de “Nace el día en la ciudad”, que cuenta un amanecer en una de nuestras grandes urbes. En el medio del frenesí de las autopistas llenas, los aviones rayando el cielo, la gente corriendo a sus empleos, azotada por las noticias de la crisis económica y de catástrofes financieras que ni se logran entender bien, una niña contemplativa sopla nubes en el cristal de su ventana hacia pájaros eternos. Esa imagen me apareció como figura de lo imposible, de lo que sólo existe en sueños, porque no hay nada menos eterno, más efímero que un pajarito. Sin embargo, luego me di cuenta de que sí, existen pájaros eternos. Precisamente los simbólicos, los que sólo existen en el dominio de las ideas, cómo el Espíritu Santo o la Paloma de la Paz. En todo caso, llevan con ellos una noción de sueño y de idealismo, como el idealismo de seguir haciendo canciones, a pesar de los tumultos en la industria de la música.

Precisamente la canción “Nace el día en la ciudad” es su primer sencillo adelanto del disco, en la que colabora a la guitarra Raimundo Amador. ¿Cómo surgió esta fusión que ha dado lugar a una bossa nova tan flamenca?
Conocí a Raimundo Amador en Sevilla y lo invité a tocar con nosotros en el concierto que dimos allí. Fue un concierto inolvidable. Seguimos colaborando y Raimundo me hizo escuchar algunos temas de él que tenía en su ordenador, inéditos. Me enamoré de inmediato de esta bossa nova tan flamenca y le propuse escribir una letra para ella. Y la escribí directamente en castellano, una novedad para mí.

Cuando salga al escenario del Teatro Bellas Artes de Madrid, ¿el público podrá observar a una nueva María de Medeiros en directo?, ¿da miedo arrojarse al vacío escenario con un trabajo propio?
Le tengo mucho respeto al escenario, en todas circunstancias. Tiene algo de sagrado para mí. Estaré bien acompañada, lo que es una gran ayuda. Y es una alegría actuar en España, donde siempre he sentido un público curioso y abierto.

En su página web oficial adelanta los dos primeros temas de su nuevo disco, tan variados y tan distintos entre sí. ¿Su trabajo discográfico sigue esa línea tan dispar entre canción y canción?
Este trabajo tiene mucho de instintivo y lúdico también. La sensación que tengo, es cómo cuando nos ofrecen por primera vez una cámara y nos dedicamos a fotografiar todo lo que vemos, en todas direcciones. Lo que une esas fotos es la propia mirada, la subjetividad de la perspectiva.

María de Medeiros es una reconocida actriz, directora de cine, guionista, compositora y cantante; ¿con qué faceta se encuentra en estos momentos más a gusto trabajando?
Las facetas se complementan. Estos últimos meses he estado terminando el disco y un documental al mismo tiempo. No escondo que la cantidad de trabajo es una locura. Pero uno me permite distanciarme y afinar mi perspectiva en relación al otro. Y existe un diálogo interno. Por ejemplo, he grabado una canción de Ivan Lins escrita en los años 70 en Brasil, que es cómo una carta de los padres que se han involucrado en la lucha contra la dictadura militar, a sus hijos, a quienes piden perdón por la vida difícil que han tenido. Y eso tiene todo que ver con el documental que dirigí.

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María de Medeiros – “Shadow girl”

Imágenes cedidas por Madridpresenta.

El oficio más fiel de Jorge Drexler

2012-02-04T15:00:00.000+01:00

Los más de mil afortunados que acudieron al Teatro Arteria Coliseum de Madrid la gélida noche del viernes, disfrutaron de un auténtico concierto de música de autor en estado puro, transportados por la confidencialidad del generoso Jorge Drexler. Y es que el cantautor uruguayo puede presumir de ostentar un poder intenso para conectar con su público a través de un imaginario hilo conductor, aquel que corteja con unas melodías sencillas y sosegadas, rasgadas por una voz y una guitarra desnudas, por una devoción hacia su verbo próximo.

No obstante, dedicó un recital sonoro durante dos horas en el que el músico y compositor se expuso en solitario sin más ornamento que su capacidad y sus letras. Una velada en la que presentó el espectáculo Mundo abisal en el marco de la segunda edición del ciclo de conciertos Madridpresenta ante un recinto abarrotado, realizando un repaso por aquellas canciones pretéritas y presentes que le han encumbrado hasta la fama internacional en un constante estado de gracia.

Subió al escenario y arrancó las primeras armonías de “Hermana duda”, creando desde el primer momento una atmósfera íntima, como si tratara de embriagar al personal de una fragancia acogedora, propia de salas como el Búho Real o Libertad 8, aún a sabiendas de que el Coliseum supera con creces el aforo de estos míticos espacios que componen el circuito capitalino de cantautores.

Para cuando entonaba su penetrante “Eco”, el público se rendía incondicional ante la evidencia. Un peldaño después dedicaba a su hijo Luca el tema “Noctiluca”, integrado en 12 segundos de oscuridad, hasta desembocar en la maravillosa canción “Que el soneto nos tome por sorpresa”, imprescindible en un directo tan acústico y desarmado como el que concedió Drexler la pasada noche. Así consiguió abrazar a los asistentes con un arrullo bucólico, envenenando sus almas de un poemario sincero.

Alcanzó la templanza hasta en aquellos momentos en los que problemas técnicos de sonido afectaban a su guitarra eléctrica, hasta en los instantes en los que el viento se colaba por el escenario albergando parte de la ola de frío que esta semana asola nuestro país. Solucionó aquellas insolencias con mesura, primero mudando de guitarra y después instalándose más cerca del público, buscando el calor humano del patio de butacas. Hasta en esos tiempos fortuitos manifestó su poder intenso como cantautor curtido en mil batallas.

Recuperó temas como “Guitarra y vos”, “Deseo” o “Milonga del moro judío” de su lujoso trabajo discográfico Eco, sin olvidar el agradecimiento sincero a sus fans cuando en un par de ocasiones admitió peticiones a la carta del consumidor, versionando a Caetano Veloso, traduciendo en milonga “Toito Cai lo traigo andao” de Javier Ruibal o haciendo honores a Camarón de la Isla en “Volando voy”. De esta forma tan sutil, Drexler fue tejiendo una tela de araña en la que atrapó a sus fans, que coreaban ya sus letras de carrerilla, mientras que él se dedicaba a interactuar entre canción y canción con el respetable, imantado por su simpatía con evocaciones de sus vivencias.

No quiso dejar pasar la oportunidad de invitar a subir al escenario a su amigo Didi Gutman, teclista de la banda neoyorquina Brazilian Girls, con el que interpretó dos de temas. Poco después enfilaba bambalinas para acometer hasta dos bises correspondidos con sonoros aplausos, que animaron al trovador a alargar la velada unos minutos más.

En la recta final acarició su poemario más exquisito con “La trama y el desenlace”, “Salvapantallas” y “Todo se transforma”, las parejas se acariciaban en arrumacos con el amor regenerado, y cada cual soñaba ser feliz en tiempos de crisis. Cuando su despedida era un hecho consumado, el teatro al completo alcanzó una catarsis generalizada que se plasmó en una ovación de varios segundos con la gente en pie. Nada que objetar, así se despiden los grandes artistas, los que enamoran al personal con el buen hacer de su oficio.

Fotografías: Raquel Campos.

Valenzuela puede provocar adicción, o no

2012-02-02T08:00:00.000+01:00

Francisca Valenzuela llegaba a España por primera vez para presentar en directo Buen soldado, su segundo disco de estudio y el primero que edita en nuestro país. En la lluviosa noche del miércoles ofrecía al público madrileño un ‘showcase’ privado en la sala Costello Club, mostrando una poderosa voz femenina, unas letras punzantes y muy elaboradas y una energía dicharachera acompañada por una banda portentosa. Pero su propuesta sonora, con un pop latino refinado, puede gustar,… o no.

Su predisposición en este pequeño concierto fue máxima, ya que aquello se convirtió en un alarde de bailes poperos, sonrisas naturales, coqueteos animados y mucha música concentrada en menos de una hora. Ante un recinto abarrotado, Valenzuela demostró que tiene tablas y energía suficiente para tratar de convencer con sus melodías divertidas y bailables hasta la saciedad, entonadas con un desparpajo inusual con el que se fue ganando al respetable a medida que transcurría el espectáculo.

La cantante, instrumentista y compositora chilena destila un amplio abanico compositivo e interpretativo que pendula del pop rock más ochenteno al jazz o el folk alternativo, sin olvidar el pop latino más influenciado por sus orígenes geográficos que entronca con un pop de cámara sensual. Todo ello aderezado por unas letras literarias afiladas que demuestran un apetito artístico muy refinado. El resultado parece cuando menos difícil de encasillar, y en algunas fases de su concierto recordaba al prodigio musical de Julieta Venegas, aunque salvando las distancias.

En teoría, salía al escenario de la Costello con su banda para presentar Buen soldado, su segundo trabajo discográfico, aunque la realidad es que aliñó por igual temas de sus dos discos, quizá con la intención de ofrecer en su primera visita a España una muestra más completa de su carrera musical. De esta manera, comenzó con el tema “Buen soldado”, al que siguió “Quiero verte más”, manifestando la calidad de su propuesta, para después alternar algunas canciones de su álbum debut Muérdete la lengua, hasta llegar a “Los poderosos”, aquella composición que no deja títere con cabeza por su incisiva crítica al orden establecido.

Antes de finalizar su concierto quiso hacer un homenaje al cantautor estadounidense Johnny Cash con una versión más que decente, a la que siguió “Muérdete la lengua”, con la que puso punto final. Muchos fueron los que salieron de allí alabando su música, pero otros muchos dudaron de la chilena. Y es que su propuesta melódica puede llegar a contagiar sin dilación por su buen hacer, o puede no encajar por diluirse en una amalgama de sonidos inconexos que cuesta asimilar.

Fotografías: Óliver Yuste.

El Sonorama Ribera comienza a imponerse por calidad y cantidad

2012-02-01T08:00:00.000+01:00

El festival de música Sonorama Ribera llega a su decimoquinto aniversario por todo lo alto. Si a finales del pasado año ya presentaba a Vetusta Morla y Love of Lesbian como los primeros cabezas de cartel, junto a otras siete bandas, ahora la organización confirma cerca de treinta artistas en su mayoría nacionales que estarán presentes en la localidad burgalesa de Aranda de Duero entre los días 9 y 12 de agosto.

El evento musical arandino por excelencia va camino de convertirse un año más en el protagonista indiscutible de la actualidad cultural nacional, tanto por calidad como por cantidad. Y es que el festival organizado por la Asociación Cultural Art De Troya ya ha adelantado nuevos artistas que conformarán su cartel para este año, con cerca de treinta bandas de marcado carácter nacional.

Por sus escenarios pasarán en esta edición grupos como We are Standard, La Casa Azul, el proyecto en solitario de Jero Romero, Eladio y Los Seres Queridos, la mallorquina Maika Makovski, Maga, Cooper, el dúo leonés The Bright, The Cabriolets, el proyecto musical de la actriz Lluvia Rojo denominado No Band for Lluvia, Smile, Rebeca Jiménez, la vuelta de Los Enemigos o los canarios The Birkins.

Según afirma la organización, por el momento el sello internacional lo pondrán los portugueses The Gift e Instituto Mexicano del Sonido, mientras que la presencia nacional se completa con Havalina, Polock, Marcus Doo & The Secret Family, Eric Fuentes & El Mal, Igloo, Napoleón Solo, Odio París, Novedades Carminha y The Pepper Pots. No obstante, aún quedan nuevas incorporaciones artísticas que se irán anunciando en breve, sobre todo en el ámbito internacional, además de otras sorpresas que aún están gestándose.

Todos ellos se suman a los artistas ya corroborados antes de Navidad, que tienen como primeros cabezas de cartel a Vetusta Morla y Love of Lesbian. Les acompañarán también los catalanes Sidonie, el éxito internacional de Russian Red, el mestizaje de Corizonas, El Columpio Asesino, Dinero, Fuel Fandango y la electrónica de The Zombie Kids.

Fuentes del propio festival destacan la exitosa campaña navideña, en la que han vendido el doble de abonos que en la pasada edición por estas mismas fechas. Coincidiendo con San Valentín, volverán a promover una nueva campaña en la que ofertarán dos abonos por cien euros desde el próximo día 10 y hasta el 20 de febrero. Estos abonos incluyen acampada, conciertos, acceso a carpa, almuerzo en las bodegas y transporte interno.

Durante cuatro intensas jornadas dedicadas a la música más variada, el Sonorama Ribera 2012 volverá a ofrecer catas de vinos y visitas a las principales bodegas de Aranda de Duero. De esta forma, música y gastronomía se fusionarán de nuevo en un evento cultural que está triunfando en nuestro país. El Recinto Ferial de Aranda acogío más de 40.000 espectadores en sus diferentes jornadas, mientras que la Plaza del Trigo, ubicada en el centro de la localidad, reunirá a gran parte del público de esta decimoquinta edición en sus conciertos matinales que, desde hace unos años, se han convertido en una cita obligada dentro del programa del Sonorama.

Imágenes cedidas por Cultura y Comunicación.

Las experiencias SOS 4.8 llegarán en marzo

2012-01-31T08:00:00.000+01:00

La dirección del Festival Estrella Levante SOS 4.8 organiza por segundo año consecutivo el ciclo cultural Experiencias SOS 4.8, que se celebrará durante el mes de marzo en Madrid, Barcelona y Valencia. Una cita en la que actuarán en directo Grises, Yall, Summer Camp y Chinese Christmas Cards. Además, este ciclo incluirá actividades relacionadas con el resto de secciones del festival, como el Mustang Arte y Voces.

Los días 4 y 5 de mayo Murcia vivirá la quinta edición del Festival Estrella Levante SOS 4.8, y para todos aquellos a los que la espera se les hace demasiado larga, la organización del evento ha preparado el ciclo Experiencias SOS 4.8, unas fiestas de presentación que contarán con las actuaciones de los guipuzcoanos Grises, Yall y los londinenses Summer Camp el día 7 de marzo en la sala Joy Eslava de Madrid y el día 8 de marzo en la sala Razzmatazz 2 de Barcelona. Mientras que el día 9 Yall y Chinese Christmas Cards, una de las bandas nacionales con mayor proyección, estarán presentes en la sala La 3 de Valencia.

En cada una de las ciudades se realizará en horario de mañana una conferencia que girará en torno a la ficción televisiva, tema central del Festival Estrella Levante SOS 4.8, en la que se hablará sobre las series televisivas. Los ponentes de estas tres conferencias aún no están confirmados, pero según ha declarado la organización, en breve se actualizará esta información por los canales de comunicación habituales del festival.

Grises es un proyecto gestado en Zestoa (Gipuzkoa) en el año 2009, por cuatro chicos y una chica que consiguen enganchar desde la primera escucha con influencias del pop británico. El pasado año publicaron El hombre bolígrafo, su álbum debut lleno de colorido. Otra de las jóvenes bandas nacionales más prometedoras es Chinese Christmas Cards, un dúo catalán que nació en 2008 sin grandes pretesiones y que facturan un sonido en el que se ezcla la ‘song-writing’ y la electrónica actual más bailables, con toques de folk y estribillos pegadizos.

El grupo británico Summer Camp llega por primera vez a España con una gran expectación, ya que se han convertido en el dúo de moda en la escena independiente actual. Presentarán en nuestro país su flamante nuevo disco Welcome to condale, un alarde de modernidad en estado puro. Otro dúo que estará presente en Experiencias SOS 4.8 es Yall, la unión de dos productores, disyoqueis y diseñadores como fórmula perfecta entre sonido e imagen. Con su música han puesto del revés las salas más importantes de Europa, atesorando uno de los directos más arrolladores.

Las entradas para las Experiencias SOS 4.8 en Madrid y Barcelona tendrán un precio de 15 euros en venta anticipada, mientras que el precio en taquilla será de 20 euros. No obstante, las entradas se pueden adquirir junto al abono para el festival a través de entradas.com., con un precio conjunto de 69,99 euros más gastos de envío. Por otra parte, el precio de las entradas para la ciudad de Valencia será de 8 euros en venta anticipada, mientras que en taquilla ascenderá a 12 euros.

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Imágenes cedias por Mushroom Pillow.

El Bibliobús de la Comunidad de Madrid cumple un cuarto de siglo

2012-01-30T12:00:00.000+01:00

La red de Bibliobuses de la Comunidad de Madrid ha cumplido veinticinco años de vida, acercando la lectura a todos los rincones de la región con un total de trece autobuses que visitan a diario más de cien municipios, realizando 232 paradas y ofreciendo una colección que supera ya los 200.000 ejemplares. Un cuarto de siglo en el que este servicio bibliotecario móvil ha efectuado casi cinco millones de préstamos entre los madrileños.

El primer bibliobús empezó a funcionar el 26 de diciembre de 1953 en el extrarradio y los suburbios de Madrid. En 1956 otro bibliobús vino a reforzar este servicio, al que se añadió un tercero en 1963. Todos ellos eran de tipo remolque. Pero en 1971 la Dirección General de Archivos y Bibliotecas adquiere una flota de ocho bibliobuses ya automóviles, de los cuales cinco se destinaron a cubrir el servicio en la capital.

El 7 de octubre de 1986 se compró la actual flota de trece bibliobuses, de los cuales cinco reemplazaron a los antiguos de Madrid capital y los otros ocho se destinaron a realizar las diferentes rutas por los municipios de la provincia. Se instauraba así el actual servicio de Bibliobuses de la Comunidad de Madrid, con la intención de garantizar a todos los ciudadanos la igualdad de oportunidades en el acceso al libro y a la lectura.

La actual red de autobuses adaptados componen este servicio de extensión bibliotecaria, que llega al 99,9 por ciento de la población madrileña para ofrecer servicios de orientación a la lectura y préstamo de libros, CD, DVD y revistas; además de organizar actividades culturales como concursos de dibujo, fotografía o cuentos, exposiciones bibliográficas mensuales, visitas de diversos colectivos, y otros eventos culturales como la Feria del Libro de Madrid.

En estos años veinticinco años de vida los bibliobuses se han ido modernizando y adaptando a los tiempos, recorriendo más de cuatro millones de kilómetros y permitiendo realizar casi cinco millones de préstamos a 47.000 usuarios cada año. En la actualidad visitan 123 municipios, incluida la capital, con 232 paradas, unas semanales y otras quincenales.

Cinco de ellos hacen servicio a pueblos pequeños y medianos, con visitas en su mayoría quincenales, mientras que otros tres recorren el cinturón metropolitano, con servicios semanales, y otros cinco prestan su servicio en Madrid capital, con paradas semanales.

La colección central de los Bibliobuses supera los 200.000 volúmenes, y sus fondos forman parte del catálogo único de las bibliotecas de la Comunidad por lo que el carné de usuario de Bibliobuses es el mismo que el de las bibliotecas públicas, la Biblioteca Regional de Madrid y los servicios Bibliometro, Telebiblioteca y LibroExpress.

En cada Bibliobús viaja un conductor y un bibliotecario, lleva en su interior una autentica biblioteca de alrededor de unos 3.500 documentos y, desde 1997, además de libros reúne una nutrida colección de música, cine y material multimedia. Todos poseen un ordenador con la base de datos actualizada que sustituye a los primitivos ficheros, y están dotados de telefonía móvil. Más de la mitad de ellos están adaptados para acceso en silla de ruedas.

El Plan de Fomento de la Lectura de la Comunidad de Madrid, en su línea de actuación relacionada con los servicios que acercan la lectura al ciudadano, incluye acciones dirigidas a impulsar los servicios de extensión bibliotecaria. Los Bibliobuses, al igual que la Telebiblioteca, el Bibliometro, el Préstamo Colectivo o el Libroexpres, son un servicio de extensión bibliotecaria y como tal tienen la misión de acercar los libros a aquellos ciudadanos que por distintas razones -lejanía, horarios o discapacidad- no pueden acceder a las bibliotecas fijas.

Imágenes cedidas por la Comunidad de Madrid.

Delorentos: “Nos sentimos muy orgullosos de este álbum y sabemos que hemos hecho algo especial”

2012-01-27T12:00:00.000+01:00

Hoy sale a la venta Little sparks, el tercer trabajo discográfico del grupo Delorentos que contiene doce canciones inéditas grabadas y producidas por Rob Kirwan. El cuarteto irlandés presenta en este nuevo trabajo una evolución de su característico sonido rock alternativo que está recibiendo una excelente acogida entre los críticos musicales especializados.

El próximo 25 de febrero comenzarán a presentar en directo su nuevo álbum en una gira internacional que arrancará en Dublín, y que también incluirá su visita a España. Hasta ahora, se ha confirmado la actuación de la banda en el Festival Estrella Levante SOS 4.8, que se celebrará en Murcia los días 4 y 5 de mayo, y en el Santander Music Festival, que tendrá lugar este año los días 3 y 4 de agosto, aunque aún falta por ratificar su presencia en otros festivales y salas nacionales.

Pregunta: Acabáis de publicar Little sparks, un álbum maduro y directo después de más de dos años de silencio. ¿Este álbum es el resultado de un tiempo de calma?
Respuesta: Para este álbum hemos trabajado durante dos años y medio en la composición y la preparación de las canciones. Aunque durante este tiempo no hemos estado en silencio, también hemos tocado en muchos conciertos y hemos realizado algunos vídeos, pero tras esta actividad hemos estado creando este álbum y planificando su lanzamiento.

P.: Según los críticos musicales, se trata del mejor álbum de Delorentos. ¿Vosotros pensáis realmente que es vuestro mejor álbum?
R.: Bueno, en realidad no importa lo que digan los críticos. Nos gustan todos nuestros discos, pero nos sentimos muy orgullosos de este álbum y sabemos que hemos hecho algo especial.

P.: El pasado 11 de noviembre publicasteis el EP Little sparks en una revista diseñada y editada por vosotros mismos, con la ayuda de algunos amigos. ¿Esta edición responde a una campaña de promoción o era una necesidad creativa de la propia banda?
R.: Esta revista era una idea que teníamos que compartir con nuestra comunidad creativa. Era parte de un proyecto para darle a la gente algo más, así que cuando venían a un concierto nuestro podían conseguir un CD con nuestras canciones y una revista. La gente ha respondido muy bien a esta propuesta y estamos muy contentos con el resultado. La gente escribió piezas muy honestas e interesantes para la revista, nos sentimos muy agradecidos.

P.: Para promocionar la publicación del nuevo álbum, ¿realizaréis algunos proyectos similares a esta revista?, ¿qué ideas tenéis preparadas?
R.: Bueno, la revista es uno de los proyectos. La gira acústica que hicimos antes de la Navidad fue otra idea. Además, vamos a hacer una radio podcast, y los más importante es que vamos a abrir tiendas propias para vender nuestro material. Debido a que hay una recesión económica en Irlanda hay muchas tiendas en las principales calles de Dublín que se están cerrando; tenemos la intención de hacernos cargo de alguna y abrir nuestra propia tienda Delorentos. En ella vamos a vender nuestro disco, conocer gente y tocar algunas canciones. ¡Es muy emocionante!

P.: Las doce canciones del álbum son una perfecta evolución en vuestra carrera musical. ¿Son composiciones que llegaron con más creatividad tras vuestra momentánea separación en 2009, tras un periodo difícil?
R.: Después de separamos, cuando volvimos a estar juntos, decidimos trabajar tan duro como pudimos en las canciones, y realmente tratar de ser creativos y explorar nuestras ideas. Estamos muy contentos de haber hecho esto, ya que creemos que ha funcionado.

P.: ¿Qué ha cambiado en la banda desde ese momento crítico hasta ahora?
R.: Ahora entendemos la vida como un grupo más, y sabemos que debemos disfrutar de lo que hacemos y afrontar más riesgos. Todo esto es parte de nuestro pensamiento actual, sabemos que tenemos que trabajar duro y apreciar lo que hemos hecho.

P.: El productor de vuestro nuevo álbum es Rob Kirwan, que ha trabajado con grandes bandas como Pj Harvey, Editors, U2, Glasvegas,… ¿Qué ha aportado él a vuestro sonido?, ¿cómo ha sido trabajar con Rod?
R.: Rob es muy creativo y nos retó a conseguir un sonido mejor. Es un tipo muy grande. Queríamos que impulsara nuestro sonido, y lo hizo.

P.: Esa evolución en vuestro sonido tiene su correspondencia en las letras de vuestras canciones, más cuidadas y mejores, ¿cómo surgieron estas nuevas letras?
R.: Pasamos mucho tiempo trabajando en las letras. Todas las canciones tienen un significado que quizá antes no habíamos explorado. Pensamos que son buenas letras, que son honestas, y esta vez el nivel compositivo era muy alto, por lo que nos empujó a cada uno de nosotros, individual y conjuntamente, a estar seguros de cada una de ellas.

P.: El próximo 25 de febrero comenzáis la gira en Dublín. ¿España es uno de vuestros objetivos este año para tocar en directo y presentar el nuevo álbum?
R.: Tenemos la intención de volver muy pronto, estamos deseando lanzar el álbum y volver de gira. España es un país increíble, tan grande, tan culto y tan diferente,... Irlanda es nuestro hogar, pero las experiencias que hemos vivido en vuestro país han sido muy emocionantes. ¡Estamos deseando volver a tocar en España!

P.: La potencia que contienen las nuevas canciones, ¿tendrán su correspondencia con un directo más potente de la banda?
R.: Estamos trabajando muy duro para conseguir que las canciones funcionen en vivo con la misma potencia. Es difícil, porque muchos de los temas son nuevos y muy diferentes, y aún se hace extraño, pero estamos con muchas ganas de probarlos y hacer que funcionen.

P.: Con vuestro tercer álbum, ¿os sentís más seguros como banda?
R.: Creemos que todos tenemos más experiencia, y esperamos que esto nos haga sentir más seguros. De todas formas, siempre que estamos creando nos sentimos más felices.

P.: Finalmente, ahora puede llegar vuestro éxito internacional en América, Europa, Asia,…, ¿vosotros buscáis este objetivo o es algo que no importa?
R.: Bueno, vamos a ver qué pasa. Somos ambiciosos, pero también somos realistas. Tocar por todo el mundo sería increíble, pero no puede ayudarnos a escribir canciones,... No sabemos qué va a pasar en el futuro, cualquier cosa puede ocurrir, pero en estos momentos es muy emocionante.

+ Info Delorentos:
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+ Info gira España 2012:
4 y 5 de mayo – Festival Estrella Levante SOS 4.8 – Murcia.
3 y 4 de agosto – Santander Music Festival – Santander.

Delorentos – “Did we ever really try?”

Imágenes cedidas por La Casa de Socorro.

Los Evangelistas homenajean a Enrique Morente

2012-01-27T08:00:00.000+01:00

El próximo 21 de febrero saldrá a la venta Homenaje a Enrique Morente, el trabajo discográfico de la banda Los Evangelistas, en el que se rinde un sentido tributo al cantaor español, considerado como uno de los grandes renovadores del flamenco. Soleá Morente, Carmen Linares y Aurora Carbonell han colaborado con el grupo granadino.

El tema “Yo poeta decadente” es el primer adelanto del tributo de Los Planetas y Lagartija Nick a Enrique Morente, que está ya disponible en Itunes y Spotify, mientras que el 7 de febrero se podrá escuchar la canción “Donde pones el alma”, segundo anticipo del disco. Homenaje a Enrique Morente saldrá a la venta el 21 de febrero en formato CD, vinilo y soporte digital con una edición de lujo, además de una edición especial limitada en CD que también incluye un libro sobre el cantaor flamenco.

El proyecto se puso en marcha hace justo un año, en una céntrica plaza de Granada, cuando el director de la revista Boronía propuso a Jota y Antonio Arias, componentes de Los Planetas y Lagartija Nick, realizar un homenaje a Morente para la cuarta edición de La Noche Blanca del Flamenco, que se celebró en Córdoba el pasado 18 de junio. A la invitación se les unió Eric Jiménez y Florent Muñoz, también integrantes de Los Planetas. Su conexión con el genio del Albayzín los convertía en los candidatos idóneos para llevar a cabo esta idea, fiel a su legado y coherente con su obra y su memoria.

Todos ellos no se conformaron con realizar un repaso amable y respetuoso, sino que hurgaron en la inmensa obra de Morente para escoger las canciones con más sentido, probablemente las más difíciles, las más plenas y las más morentistas. Ahora, los cuatro músicos dan forma y sentido a Los Evangelistas para rendir este homenaje en un disco en el que ahondan en el repertorio más profundo y revelador del maestro flamenco, catorce meses después de su muerte.

El resultado supera y trasciende las mejores expectativas. Al conmovedor directo que se fue forjando en los conciertos de Córdoba, Granada y Vic, se han unido dos factores que han enriquecido notablemente el álbum: la producción y las colaboraciones. El trabajo discográfico fue grabado en El Refugio Antiaéreo y mezclado en El Fresquito, bajo la producción de Martín “Youth” Glover, bajista de Killing Joke y experto productor y mezclador de prestigio internacional -de U2 a Primal Scream, pasando por Depeche Mode o The Verve-.

Entre las colaboraciones destaca la implicación directa de Soleá Morente, que ha puesto su voz en dos de las canciones, “Yo poeta decadente” y “La estrella”, subrayando la legitimidad de esta obra sonora. Carmen Linares pone voz a “Delante de mi madre”, unas seguirillas que conectan con el recuerdo del clásico Omega, uno de los discos más importantes de la historia del flamenco. Mientras que Aurora Carbonell, la “Pelota”, alma y compañera de Morente, ha dado rienda suelta a su dolor y creatividad a través de los coros que aparecen en la nueva versión de “La estrella” y de un cuadro pictórico que se ha convertido en portada de este disco.

Imágenes cedidas por El Volcán Música.

Niels Birbaumer es investido doctor honoris causa por la UCM

2012-01-27T00:03:00.000+01:00

El psicólogo Niels Birbaumer ha sido investido doctor honoris causa por la Universidad Complutense de Madrid (UCM), en un acto presidido por el rector José Carrillo Menéndez que se ha celebrado esta mañana en el edificio del Paraninfo de la institución universitaria, y en el que el profesor de Psicología José Javier Campos Bueno pronunció la laudatio.

Figura de prestigio internacional en el campo de la Psicología y la Neurobiología, Niels Birbaumer (Ottau, Checoslovaquia, 1945) es director del Institute of Medical Psychology & Behavioral Neurobiology de la Universidad de Tübingen (Alemania) y académico de la Deutsche Akademie der Naturforscher Leopoldina. A su vez, ha sido profesor visitante distinguido de la UCM durante tres meses en el año 2009, invitado por el Doctor Campos Bueno a través del programa del Grupo Santander, colaborando en tareas de investigación en la Facultad de Psicología, donde impartió el seminario “Brain Computer Interface”.

Birbaumer es pionero en las neuroprótesis que hacen posible la comunicación de personas con parálisis cerebral, desarrollando aplicaciones clínicas basadas en sistemas de Brain Computer Interface (BCI). Estas neuroprótesis permiten al usuario interactuar con su entorno utilizando únicamente su actividad cerebral, sin intervención del sistema muscular ni del sistema nervioso periférico. Esto ha permitido, entre otras aplicaciones clínicas, que personas con parálisis cerebral rompan el silencio tras años de incomunicación y puedan escribir a sus familiares.

Sus investigaciones en neuro-rehabilitación han abierto un campo extraordinario también en otros ámbitos, como la bioética, el tratamiento de niños hiperactivos e incluso en el desarrollo de videojuegos controlados por ondas cerebrales. Sus trabajos figuran en numerosas revistas científicas especializadas, y también en Nature o Science, además de editar la revista de neurociencia Frontiers of Neuroprosthetics, que forma parte de la serie Frontiers of Neuroscience. En 2001 obtuvo el Premio Albert Einstein de las Ciencias, uno de los galardones internacionales más prestigiosos dentro del mundo científico.

En la tarde de ayer, el profesor Birbaumer impartió una conferencia en la Facultad de Psicología, situada en el Campus de Somosaguas de la UCM, con el título “Communication and movement in paralysis”, y asistió a la inauguración de la exposición “Tendiendo puentes entre España y Alemania”, que permanecerá abierta al público en la sala de exposiciones de la mencionada Facultad hasta el próximo 23 de febrero, fruto de la colaboración entre la institución Complutense, el Goethe-Institut de Madrid y el Servicio Alemán de Intercambio Académico (DAAD).

Imágenes cedidas por UCM.

Alcalá de Henares acogerá una nueva edición del ciclo “Los Conciertos del Auditorio”

2012-01-26T22:00:00.000+01:00

El consejero delegado de Promoción Alcalá, Gustavo Severien, ha anunciado esta mañana en el Ayuntamiento de Alcalá de Henares los nombres de los artistas que actuarán esta primavera en el Auditorio Municipal de la localidad madrileña dentro del ciclo de conciertos extraordinarios denominado “Los Conciertos del Auditorio”, que tendrá como protagonistas a Tamara, Juan Perro, Revolver y Luis Eduardo Aute.

Severien ha explicado que Los Conciertos del Auditorio permitirán “disfrutar en Alcalá de Henares, Ciudad de las Artes y las Letras, de las actuaciones de artistas consolidados, importantes y de diversos estilos musicales”. Además de ser un complemento a la extensa programación cultural que el Teatro Salón Cervantes ha presentado para el primer semestre del año.

Dentro de este ciclo de conciertos, Tamara actuará el 20 de abril, Juan Perro el 4 de mayo, Revolver lo hará el 25 de mayo y Luis Eduardo Aute ofrecerá su concierto el 8 de junio. Según se ha señalado el consejero delegado de Promoción Alcalá, “Las entradas se ponen hoy a la venta, con un precio único de 18 euros, y se podrán adquirir en la taquilla del Teatro Salón Cervantes, a través de Internet -en el servicio Telentrada- y por teléfono -en el número 902 101 212-”.

Además, ha recordado que “en la completa programación cultural que hemos preparado para el primer semestre se mantienen los grandes eventos que han dado calidad a nuestra Cultura, como estos Conciertos del Auditorio, que registraron un lleno total en las cuatro actuaciones que se ofrecieron el pasado año y que esperamos que recaben el mismo éxito en esta edición”.

Tamara abrirá el programa de Los Conciertos del Auditorio el viernes 20 de abril en la ciudad complutense. La cantante sevillana estará presentando en directo su noveno disco titulado Más, un tributo al cantante y compositor mexicano Marco Antonio Solís, para el que ha contado por primera vez con la producción de los hermanos Ávila, la nueva joya de la producción musical latinoamericana, ganadores de dos premios Grammy, dos premios Billboard, cinco premios Ascap y un premio BMI.

El día 4 de mayo Juan Perro llegará a la localidad alcalaína con su espectáculo “Casa en el aire”, un concierto intimista en el que Santiago Auserón continúa en el laboratorio de los sueños, donde el jazz primitivo, el rock y el blues comandan una comparsa de canciones. Con un directo donde esas canciones se muestran al desnudo, sin artificios, en un viaje por las raíces de la música en lengua castellana.

El día 25 de mayo será Revólver quien presentará en directo su nuevo disco, Argán, que ha tenido mucho de aventura musical, y que supone un punto de inflexión en la carrera de Carlos Goñi al fusionar por primera vez el rock habitual de sus trabajos previos con música africana.

Y el ciclo finalizará el próximo 8 de junio con el concierto de Luis Eduardo Aute, que con su álbum Intemperie llevará a Alcalá de Henares un concierto cargado de simbolismo, recorriendo diferentes estilos musicales, con unas letras duras, impecables e inspiradas.

Imágenes cedias por el Ayuntamiento de Alcalá de Henares.

El Low Cost Festival apuesta por las bandas nacionales

2012-01-25T14:00:00.000+01:00

La organización del Low Cost Festival, que este año se celebrará los días 27, 28 y 29 de julio en el recinto ubicado en la Ciudad Deportiva Guillermo Amor de Benidorm, Alicante, ha anunciado nuevas bandas nacionales que se suman al cartel de la cuarta edición de este festival musical. Supersubmarina, La Casa Azul, The Right Ons, The New Raemon, Fuel Fandango, Bigott y Varry Brava son las nuevas confirmaciones notificadas.

Tras anunciar el pasado mes de diciembre las primeras bandas que participarán en el festival, con la incorporación Iván Ferreiro, El Columpio Asesino, We Are Standard, La Habitación Roja, The Zombie Kids, Triángulo de Amor Bizarro y Second; la organización ha desvelado nuevos nombres en una dinámica que apuesta a las claras por el panorama musical nacional.

La tercera edición del Low Cost Festival se celebró el año pasado con gran éxito de críticas y público por sus amplios espacios abiertos, sus zonas de césped, sus comodidades y su fácil acceso. Ese triunfo ha favorecido la venta de abonos para el Low Cost Festival 2012, que según datos facilitados por la organización ya se han despachado más de dos mil entradas. El precio del abono se mantiene a un precio de 39,99 euros por tiempo limitado para disfrutar de tres días de programación musical a un coste reducido.

Tras estas nuevas confirmaciones la organización de Low Cost festival se prepara para anunciar los primeros nombres internacionales durante las próximas semanas, y anticipa que el cartel de esta edición reserva muchas sorpresas que se irán anunciando de forma gradual a lo largo de próximas fechas.

Entre las nuevas incorporaciones destaca Supersubmarina, que repetirá en este festival por tercer año consecutivo para presentar el que será su nuevo trabajo discográfico, que tiene previsto su edición en el mes de mayo. Y junto a los de Baeza, estará La Casa Azul, el proyecto sonoro de Guille Milkyway, también estará presente con La Polinesia Meridional, su último disco que ha recibido muy buenos elogios y una excelente respuesta entre el público; y el dúo Fuel Fandango, otra de las propuestas musicales más llamativas que ha despertado la curiosidad de miles de personas en nuestro país.

Fotografías cedidas por Low Cost Festival.

Las Dum Dum Girls llegarán a España en el mes de abril

2012-01-25T08:00:00.000+01:00

El grupo californiano Dum Dum Girls se encuentra en plena gira mundial presentando su segundo trabajo discográfico, Only in dreams. Una gira que llegará a nuestro país el próximo mes de abril con cuatro fechas cerradas en Barcelona, Bilbao, Madrid y Zaragoza.

Tras la gran acogida por parte de público y crítica de su primer álbum editado en 2010 con el título de I will be, la banda norteamericana regresa con su segundo disco, Only in dream, que se erige como una sentida, sincera y madura compilación de canciones que Dee Dee, cantante y líder del grupo, ha escrito a lo largo del último año acerca de acontecimientos vividos en propia piel: la enfermedad mortal de su madre, las etapas de separación de su marido por solapación de giras, la distancia física y metafísica, el año que pasaron prácticamente entero en la carretera con el grupo, los vínculos y el desarraigo, la vuelta a casa y el traicionero ‘jetlag’. Vivencias que por crudas y reales no son fáciles de describir.

Letras personales que resultan de fuerte impacto emocional y convierten a Dum Dum Girls en una potente banda en creciente evolución y proyección, que actuará en España el día 5 de abril en La 2 de la sala Apolo de Barcelona, al día siguiente en el Café Antzokia de Bilbao, el 7 estarán en directo en la sala El Sol de la capital y cerrarán gira nacional el 8 de abril en la sala Arena Rock de Zaragoza.

Este grupo de indie pop compuesto ahora exclusivamente por chicas se formó en el año 2008, con Dee Dee Penny en solitario y con claras influencias punk, pop y noise. Muy pronto se ganó la atención de todo el mundo y firmó con el prestigioso sello Sub Pop en julio de 2009. Poco después comenzaba a ampliar la banda hasta convertirla en un cuarteto estable y en marzo de 2010 lanzaban su álbum debut I will be, co-producido por Richard Gottehrer y con la participación de algunos invitados como Nick Zinner, guitarrista de Yeah Yeah Yeahs o Brandon Welchez, del grupo californiano Crocodiles.

Su primer disco consiguió un notable éxito de público y crítica, alabado incluso por la prestigiosa revista Pitchfork. A partir de ese momento comienzan una extensa gira mundial teloneando en muchas fechas a Vampire Weekend, que culminó con tres noches en el Radio City Music Hall de Nueva York. Y ya en marzo de 2011 lanzaron un EP titulado He gets me high, que incluye una versión de “There is a light that never goes out”, canción original de The Smiths.

Imágenes cedidas por Sones Comunicación

Pulp se presenta como el primer cabeza de cartel del SOS 4.8

2012-01-24T08:00:00.000+01:00

La organización del Festival Estrella Levante SOS 4.8 ha realizado un nuevo avance de la programación musical para su quinta edición, que se celebrará en Murcia los días 4 y 5 de mayo. Destaca la confirmación de la banda inglesa Pulp, que realizará su única actuación en nuestro país durante este año, junto a los irlandeses Delorentos, La Casa Azul, Hidrogenesse, Simian Mobile Disco o Meneo.

La formación original del mítico grupo británico Pulp se reunió el pasado año para realizar una gira que comenzó el 27 de mayo en el Primavera Sound de Barcelona, y un año después el sexteto de Shefield volverá a España para ofrecer un nuevo concierto en la quinta edición del festival Estrella Levante SOS 4.8, en el que incluirán canciones de todos los periodos de su carrera, como “Do you remember the first time?”, “Like a friend” o “Common people”.

Por otro lado, se han anunciado los primeros nombres para los Aperitivo SOS, con Delorentos presentando en nuestro país su nuevo trabajo discográfico, Little Sparks, la mejor producción realizada por los irlandeses en el que han evolucionado su sonido para ganar en grandeza; y The Marzipan Man, el proyecto de Jordi Herrera, cantante y guitarrista de Satellites.

En esta nueva lista de confirmaciones también está presente La Casa Azul, el proyecto de Guille Milkyway que presentará su quinto disco La Polinesia Meridional; el dúo electrónico inglés Simian Mobile Disco; Hidrogenesse, con su nuevo proyecto: un recital para Alan Turing, en el centenario del nacimiento del matemático inglés; EME Dj., consolidada actualmente en la cima de la escena electrónica nacional; y Meneo, que llega pisando fuerte con su segundo álbum Larele.

Todos estos artistas se unen a las primeras confirmaciones realizadas por la organización en la rueda de prensa del pasado 20 de diciembre, en la que se anunciaron las primeras bandas como Love of Lesbian, Kiko Veneno, Gossip, Mogwai, Grupo de Expertos Solynieve, The Flaming Lips, Antònia Font, Matthew Herbert, The New Raemon, Nacho Vegas, The Magnetic Field o The Kills.

Imágenes cedidas por En Silencio.

A la tercera va la vencida

2012-01-23T08:00:00.000+01:00

Seis años han precisado Delorentos para facturar su mejor álbum, para asestar el golpe definitivo en su carrera discográfica con una producción intensa, valiente y emocional que les catapultará al estrellato. La silenciosa madurez alcanzada con Little sparks es tan arrolladora que asombra desde la primera audición, un sonido directo que gana mayor entereza con las sucesivas escuchas hasta convertirse en adictivo.

El cuarteto irlandés publicará el próximo 27 de enero su tercer trabajo discográfico grabado durante el pasado año bajo la producción de Rod Kirwan, uno de los productores más reconocidos del Reino Unido que ha trabajado con grandes bandas como U2, Pj Harvey, Editors o Glasvegas. El resultado no puede ser más positivo, si de algo pueden presumir estos chicos es de haber compuesto doce canciones poderosas que atesoran su característico sonido rock alternativo, aunque con una evolución musical decisiva y patente respecto a sus dos anteriores entregas.

Ese salto cualitativo y cuantitativo que se aprecia en Little sparks tiene su máximo exponente en el sencillo que sirve como adelanto, “Did we ever really try?”, una excelente muestra de ese progreso en su carrera, donde la electrónica comienza a penetrar en sus melodías para juguetear con guitarras serenas y cálidas henchidas de calidad innata, junto a la lírica de sus composiciones, que derivan en un viaje de honestidad brutal desde el rock más musculoso hasta los medios tiempos más cuidados y alucinógenos que crean adicción instantánea.

Si bien, todas y cada una de las ‘pequeñas chispas’ que generan Delorentos en esta ocasión suponen una montaña rusa rítmica disfrutable al cien por cien en la que pocos son los temas que podrían quedar descartados. Como ya ocurriera con el Parachutes de la banda británica Coldplay, un álbum con el que compartes ciertas similitudes en cuanto a calidad y musicalidad, este trabajo que en breve estará en boca de muchos tiene todas las papeletas para triunfar por méritos propios desplegando un tempo armonioso colindante al de Editors, Bloc Party o los propios Coldplay en sus primeras instantáneas.

Los de Dublín han vuelto a sus orígenes adolescentes para disfrutar haciendo música sin pretensiones, sin la presión interna o externa que les pudo haber costado un naufragio absoluto con su segundo álbum, You can make sound. Su tercer largo les ha despojado de cualquier proceso destructivo y se han marcado auténticos temazos energéticos como “Give it up now” o “Right to know”, que beben directamente del rock británico más codiciado en estos tiempos fugaces, y en el que amplifican un entusiasmo melódico sin parangón.

Asimismo, han tomado sus compromisos registrando canciones muy sosegadas y suaves como la cristalina “Swimmer”, o “Witness in the dark”, de raíces celtas; que corren el riesgo de quedar eclipsadas por composiciones épicas y progresivas como es el caso de “Little sparks”, “The stream” o “Pace yourself”, que se convierten en huracanes torrenciales. Mientras que “Petardu” encuentra su esencia en los dos primeros discos de Radiohead, con canciones de culto como “Fake plastic trees”.

El efecto llamada de “Care for” se convertirá con toda seguridad en su segundo single por los movimientos promocionales que está mostrando el grupo en Irlanda, ya que “Did we ever really try?” fue publicada el pasado 11 de noviembre en Little sparks ep magazine, un EP de edición limitada para sus incondicionales junto a otros tres temas autoproducidos. Aunque “Right to know” podría cumplir con mejores honores ese papel de segundo sencillo promocional.

Como las crisálidas, Delorentos se transforma de joven banda emergente a grupo asentado y maduro con un sonido propio que va directo al éxito con su mejor trabajo discográfico hasta el momento. Una producción sonora definitiva que marca un antes y un después en su trayectoria que hasta ahora estaba marcada por influencias evidentes con sabor a The Pixies, The Cure, The Clash o Arcade Fire. Sin complejos y con una libertad creativa rabiosa, este cuarteto abandona el casillero de salida para emprender una carrera que les llevará hasta el Olimpo de las grandes bandas.

Valoración: 9/10.
Título: Little sparks.
Género: Indie Rock / Alternative Rock-punk / Post-punk.
Discográfica: DeloRecords.
Fecha de publicación: 27 de enero de 2012.

Las bibliotecas de la Comunidad de Madrid amplían su horario de apertura

2012-01-22T14:00:00.000+01:00

Los doce centros bibliotecarios gestionados por la Comunidad de Madrid que se encuentran en la capital, comenzaron el lunes 16 de enero una campaña de horarios especiales que se extenderá hasta el próximo jueves 15 de febrero, para facilitar así que los estudiantes puedan preparar sus exámenes de nueve de la mañana a una de la madrugada, incluidos los fines de semana.

El programa de apertura extraordinaria de las bibliotecas de la Comunidad de Madrid comenzó en junio de 2004, y en la actualidad se establece para coincidir con los períodos de exámenes. Una campaña que tiene muy buena acogida entre los jóvenes, ya que beneficia a más de 180.000 usuarios tres veces al año: en febrero, mayo y septiembre.

De esta manera, desde el 16 de enero hasta el 15 de febrero doce bibliotecas de la capital estarán abiertas desde las nueve de la mañana hasta la una de la madrugada los siete días de la semana. Todos los centros suman un total de 1.334 puestos de lectura disponibles para los que se amplía el horario habitual.

En la campaña participan la Biblioteca Pública Central en el distrito de Chamberí, la Biblioteca Pedro Salinas del distrito Centro, la Biblioteca Manuel Alvar del distrito Salamanca, la Biblioteca José Hierro del distrito Usera, la Biblioteca Antonio Mingote del distrito Latina, la Biblioteca María Moliner del distrito Villaverde, la biblioteca Rafael Alberti del distrito Fuencarral-El Pardo, la Biblioteca José Acuña del distrito Moncloa-Aravaca, la Biblioteca Luis Rosales del distrito de Carabanchel y las correspondientes a los distritos de Retiro, Moratalaz y Vallecas.

Fotografías: Museo Reina Sofía.

Trepidación controlada

2012-01-21T17:00:00.000+01:00

El Moby Dick Club presenció el fenómeno emergente musical de Male Bonding con una asistencia a medio gas, y terminó disfrutando de la presentación en Madrid de su segundo álbum la noche del viernes, con una sonoridad vertiginosa y fresca que oscila entre el surf pop, el grunge, el punk y el aroma hippy. Pura intensidad que el trío londinense despachó con clase en menos de una hora de concierto.

Quizá es excesivo y rimbombante el delirio que muchos están sufriendo en estos últimos tiempos por grupos de nuevo cuño “ruidista”, ya que un número muy amplio de esas bandas ni atesoran aptitud ni tienen substancia sensitiva para llegar a emocionar. Simplemente hacen eso: ruido. No se salvan de este espejismo Vivian Girls, PS I Love You o Dum Dum Girls, encumbrados hasta la saciedad. Pero Male Bonding tienen esa chispa adecuada que les salva de la quema porque demuestran a las claras unas influencias de lo mejorcito del grunge, el punk o el rock; y además lo hacen con cierta calidad.

Cuando todavía se estaban situando en la sala los más previsores, Fabuloso Combo Espectro desplegó en veinte minutos letras reivindicativas y radicales muy distorsionadas por arritmias chirriantes. Deslucidos teloneros para una banda inglesa que hacía en Madrid su última parada en nuestro país para exhibir en directo su nuevo álbum, Endless now, tras su paso por Barcelona y Valencia. El buen ritmo que marcaron en su escasa actuación corrigió la deficiencia de sus predecesores a base de guitarrazo limpio, empalmando tema con tema a base de destellos melódicos eficaces.

Con tranquilidad, se subieron al escenario John Arthur Webb (voz y guitarra), Kevin Hendrick (bajo y voz) y Robin Silas Christian (batería), junto a la nueva adquisición en esta gira, el guitarrista Nathan Hewitt. Y como el que va a tomar un café, se abalanzaron con urgencia hacia una espiral acelerada de ‘riffs’ que recordaban a miles de influjos sonoros tan reconocibles y diseminados como The Clash, Fountain of Wayne o The Beach Boys. Demostrando así que tienen trazas de intensidad exquisita que se respira en sus guitarras cristalinas y brillantes, entremezcladas con juegos corales vaporosos.

El personal asistente no dejó de menear la pierna nerviosa al compás de melodías compactas, que sonaron ensambladas a la perfección. Y se agradeció un palmo de creatividad en canciones como “Tame the sun”, “Bones” o “What’s that scene”, agraciadas exponentes de la filosofía ‘noise’ que abandera el grupo inglés, que en ciertas fases de su concierto supieron realizar cambios de ritmo frenéticos para penetrar en nuevas fases más psicodélicas y ‘grunge’.

Despacharon su repertorio en cincuenta minutos trepidantes a los que nadie solicitó mayor intensidad, a los que nadie requirió un bis. No hizo falta, aquello fue una descarga de adrenalina controlada que destapó la caja de los truenos y dejó en bandeja una larga noche de fiesta.

Fotografías: Carmen García Pintado.

Delorentos anuncian el lanzamiento de su nuevo trabajo discográfico

2012-01-19T08:00:00.000+01:00

El próximo 27 de enero el grupo Delorentos lanzará su tercer disco al que han titulado Little sparks, que contiene doce canciones inéditas producidas por Rob Kirwan. El cuarteto irlandés presenta en este nuevo trabajo una evolución de su característico sonido rock alternativo que está recibiendo una excelente acogida entre los críticos musicales especializados.

Tras dos años sin editar nuevo material sonoro, la banda de Dublín publicaba el pasado 11 de noviembre un adelanto para sus incondicionales, Little sparks ep magazine. Un EP en edición limitada con cuatro temas autoproducidos que apareció empaquetado junto a una revista con cuarenta páginas a todo color diseñadas y editadas por los propios componentes del grupo. Poco después ponían en marcha una pequeña gira acústica promocional que ha supuesto un éxito en toda Irlanda.

Ahora, Delorentos anuncian el lanzamiento de su tercer trabajo discográfico, Little Sparks, que se pondrá a la venta el próximo 27 de enero bajo el sello DeloRecords. Grabado el pasado año y producido por Rod Kirwan, uno de los productores más reconocidos del Reino Unido que ha trabajado con grandes bandas como U2, Pj Harvey, Editors o Glasvegas; se trata del mejor álbum hasta la fecha de los irlandeses, y puede convertirse en uno de los mejores discos de este año.

Compuesto por doce canciones maduras e intensas, esta nueva producción musical supone una evolución en su característico sonido rock alternativo, que está recibiendo una excelente acogida entre los críticos musicales especializados. El sencillo adelanto, “Did we ever really try?”, es una buena muestra de este progreso en su carrera discográfica, donde la electrónica cobra vital importancia junto a la lírica de sus composiciones, que van desde el rock más musculoso hasta los medios tiempos más cuidados y adictivos.

La portada del disco está diseñada por M&E, un prestigioso estudio de arte encabezado por Matthew Bolger y Emelie Lidström, que recoge a la perfección el nuevo espíritu de las “pequeñas chispas” de Delorentos. Por el momento, sus fans podrán realizar un pedido previo de su próximo disco para obtener una copia física del mismo firmada por sus cuatro componentes.

La banda irlandesa se formaba a principios del año 2005 en la ciudad de Dublín, con sus integrantes actuales: Ronan Yourell (voz, guitarra, piano), Kieran McGuinness (voz, guitarra), Nial Conlan (bajo, coros) y Ross McCormick (batería, coros). En noviembre de ese mismo año publicaban Leave it on, su primer EP autoproducido con claras influencias musicales muy cercanas a The Pixies, The Cure, The Clash o Arcade Fire.

En abril de 2007 presentaban su álbum debut, In love with detail, que les cosechó un notable éxito en su país con varias nominaciones, y fue aclamado por los críticos musicales de Irlanda, al igual que su segundo EP, Do you realise. Pero su reconocimiento internacional les llegó en abril de 2009 con la presentación de su segundo trabajo discográfico, You can make sound. Un álbum que estalló definitivamente en el año 2010 por todo el territorio europeo con su exitoso single “S.E.C.R.E.T.”.

Imágenes cedidas por La Casa de Socorro.

The Shins rompe su silencio musical con un nuevo disco

2012-01-18T08:00:00.000+01:00

The Shins publicará el 20 de marzo su cuarto disco, Port of morrow, después de cinco años de silencio discográfico de la banda estadounidense liderada por James Mercer. Como adelanto, el quinteto acaba de lanzar el sencillo “Simple song”.

Su nuevo álbum se grabó en Los Angeles y en Portland durante el pasado año con Mercer como cantante, compositor y músico a cargo de la mayoría de instrumentos. La producción corrió a cargo de Greg Kurstin, que ha trabajado con artistas de la talla de Kylie Minogue, Donna Summer o Britney Spears; la mezcla está realizada por Rick Costey, mientras que el diseño artístico de la portada está confeccionado por Jacob Escobedo.

Con el tema “Simple song” como primer single, el grupo vuelve a la carga con su característico sonido indie pop y rock alternativo, tras un tiempo de silencio compositivo y el cambio de compañía discográfica, pasando a engrosar las filas de los sellos Columbia Records y Aural Apothecary.

The Shins se formó en 1997 en Alburquerque (Nuevo México), y de aquella formación sólo permanece James Mercer, completando actualmente la banda Yuuki Matthews al bajo, Jessica Dobson a la guitarra, Richard Swift en los teclados y Joe Plummer a la batería.

En el año 2001, el grupo lanzó su primer álbum titulado Oh, inverted world, al que siguieron Chutes too narrow en 2003 y Wincing the night away en 2007, que debutó en el número dos de la lista Billboard 200 con más de 100.000 ejemplares vendidos en una semana, batiendo todos los récords de Sub Pop, su compañía discográfica de entonces, además de ser nominado a los premios Grammy 2008 en la categoría de Mejor Álbum de Música Alternativa.

Tras este álbum, Mercer y el productor Danger Mouse formaron Broken Bells, una banda de rock alternativo que hasta ahora ha editado un álbum homónimo en el año 2010 y un EP bajo el título de Meyrin fields, editado el pasado año.

Imágenes cedidas por Sony Music Spain

Lenny Kravitz: “Tocar esta nueva música en directo es muy inspirador”

2012-01-17T08:00:00.000+01:00

Lenny Kravitz ha anunciado una gira española para los meses de mayo y junio, que incluye una actuación en el festival Rock In Rio de Madrid el 30 de junio. Antes pasará por Granada, Valencia, A Coruña y Barcelona para presentar en directo las canciones de su noveno trabajo discográfico, Black and white America, publicado el 22 de agosto de 2011 con el que alcanzó el número tres en la lista de ventas nacional, su posición mas alta en nuestro país.

Después de tres años de silencio compositivo, Leonard Albert Kravitz (1964, Nueva York) encontró de nuevo la inspiración que contiene el espíritu de Black and white America muy cerca de su hogar en las Bahamas. Sus nuevas canciones nacen de su experiencia como ciudadano del mundo, de sus vivencias en la pequeña Mancomunidad de las Bahamas hasta las calles de París. De esta forma, sus composiciones inéditas se han convertido en las más personales y variadas de su carrera. “No hay duda, mi entorno tiene mucho que ver con el proceso creativo”, comenta el cantante.

Kravitz ha demostrado en numerosas ocasiones lo que puede conseguir en ese proceso. Ha creado discos durante más de veinte años, desde su álbum debut Let love rule, publicado en el año 1989. Durante todo ese tiempo ha vendido más de 35 millones de discos y ha ganado cuatro premios Grammy. Pero a pesar de todos estos éxitos, o gracias a ellos, su hogar en las Islas Bahamas ha sido una parte crucial en su vida y en su carrera, tal y como confiesan sus propias palabras: “Es un lugar precioso y aislado, y la existencia en él es muy básica pero genial. Comes lo que te ofrece el campo y el mar, no tienes zapatos ni llaves, y conoces a todo el mundo y nada ni nadie les pasa desapercibido”.

Su nuevo trabajo discográfico ha significado su primer disco con los sellos discográficos Atlantic Records y Roadrunner Records, además de convertirse en la continuación de su anterior producción, It is time for love revolution (2008), con el que entró por primera vez en los puestos más altos de las listas de éxitos.

“Un poco más abajo de donde yo vivo hay un pequeño puesto de comida, y por la noche hay un disyóquey”, dice Kravitz. “Estaba allí, viendo bailar a aquellas mujeres de las Bahamas. Muchas de ellas son muy corpulentas, y ellas están súper orgullosas de sus cuerpos. Visten pantalones muy cortos con colores muy vivos, y es muy alentador ver que no se rigen por los estereotipos de belleza que difunden los medios de comunicación”.

Inspirado por esas mujeres, el artista compuso la canción “Boongie Drop”. “En las Bahamas, ‘boongie’ significa culo”, explica el propio Kravitz, “así que seguí esa base cultural”. Jay-Z, que ha colaborado con el músico en algunos temas, aportando velocidad y ritmos isleños a esta canción, mientras que Dj Military, el disyóquey de un conocido club de las islas y viejo amigo del cantante, tuvo la oportunidad de pincharla.

Black and white America dio un giro diferente cuando el neoyorquino cambió su base de operaciones a París. “Después de estar en el monte tanto tiempo, fue muy interesante escuchar esta música en la ciudad, mientras conducía”, comenta. “La actitud cambió al escucharlo en un entorno urbano”. En París realizó las mezclas y la mayor parte de la grabación de sintetizadores, con la producción y los arreglos del propio Kravitz.

La canción que da título a su nuevo disco se compuso como reacción a un documental sobre el racismo en los Estados Unidos que vio hace un tiempo. Entre la letra desafiante de la canción, el compositor hace referencia a su propia historia familiar, y la experiencia de sus padres como una pareja interracial en los años 60. “La gente solía gritarles obscenidades, e incluso escupirles”, afirma, “y esto era en Nueva York, no en el sur. Por eso, trata de mí y de lo que ocurre en este país con las diferentes razas. Quizás estamos empezando a avanzar, pero aun hay mucha gente que quiere aferrarse a sus vieja ideas y creencias”.

La arrolladora emoción de su nuevo álbum reside en los sentimientos de optimismo, fe y esperanza. “Este álbum es una celebración”, apunta Kravitz. “Todo aquel que lo escuche lo va a notar y se va a sentir animado por el espíritu de la música”. De esta forma, admite que estos tiempos difíciles hacen que sea muy duro mantener esos sentimientos. “Este mundo es un lugar desafiante”, dice. “La dinámica que interesa tomar es estar en medio del caos y ser capaz de encontrar la paz interior. Yo elijo ser optimista, incluso frente a la negatividad y la destrucción”.

Después de su encierro creativo, el compositor americano se encontraba listo para llevar su nuevo trabajo discográfico a la carretera. Una gira internacional que le está llevando por estadios, pabellones y salas de todo el mundo. “Tocar esta nueva música en directo es muy inspirador”, manifiesta. “Tengo una banda increíble, incluyendo una sección de vientos y coros. ¡Vamos a venir muy fuertes y a darlo todo!”, dice entre risas.

El artista neoyorquino comenzará su gira española el domingo 27 de mayo en el Coliseo Ciudad Atarfe de Granada. Dos días después llegará al Velódromo Luis Puig de Valencia, concierto para el que hoy mismo se han puesto a la venta las entradas a un precio de 45 euros más gastos de distribución en los puntos habituales. El 31 de mayo tocará en el Coliseum de A Coruña y el día 3 de junio en el Sant Jordi Club de Barcelona. Culminará su gira por nuestro país actuando en el festival Rock In Rio de Madrid el día 30 de junio.

Para Lenny Kravitz, su último disco representa una nueva cúspide tanto en variedad como en enfoque de su música. “Creo que es el mejor trabajo que he hecho hasta el momento”, expresa. “El equilibrio entre donde he estado, donde estoy y hacia donde voy”.

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Lenny Kravitz – “Push”

Imágenes cedidas por Warner Music Spain / Dosdimensiones Comunicación

Daniel Diges realiza un recorrido musical por los años setenta en su nuevo disco

2012-01-16T08:00:00.000+01:00

El próximo 31 de enero el actor y cantante Daniel Diges presentará su segundo trabajo discográfico titulado ¿Dónde estabas tú en los 70?, con el que realiza un homenaje a la música nacional de los años setenta interpretando conocidas canciones de artistas como Camilo Sexto, Mocedades, Dani Daniel, José Luis Perales o Tony Ronald.

Diges regresa de esta forma a la actualidad musical con un álbum que incluye el repertorio más popular de los años 70, cantando los trece temas más significativos de esa década en España a modo de grandes éxitos como “Un rayo de sol” de Los Diablos, “¿Por qué te vas?” que interpretó Jeanette, “Mamy Blue” de los Pop Tops, “Algo de mí” que cantó Camilo Sexto, “Eres tú” interpretado por Mocedades o “Help”, que popularizó Tony Ronald.

Su pasión por la música, y en especial por la de los setenta, ha llevado al artista madrileño a una inmersión en la extensa colección de éxitos de este período de tiempo, para confeccionar finalmente este repertorio de canciones populares que hasta ahora no habían visto la luz juntas en un mismo disco.

Hace ya dos años que Daniel Diges se estrenó en el mundo discográfico con una voz prodigiosa tras representar a España en el Festival de Eurovisión con “Algo pequeñito”. Un tema que le popularizó más allá del bagaje profesional como actor de series de televisión o musicales con los que aún continúa trabajando, ya que en estos momentos se encuentra representando en Barcelona el aclamado musical “Los Miserables”.

En marzo de 2010 firmó un contrato con el sello discográfico Warner Music para grabar un trabajo discográfico al estilo de los ‘crooners’ internacionales, y el 18 de mayo de ese mismo año se publicaba su álbum homónimo producido por el compositor y productor Óscar Gómez, que incluye dos versiones distintas de “Algo pequeñito”, además de canciones compuestas por el propio Diges y adaptaciones de temas de Billy Joel, Michael Bublé o Robbie Williams entre otros.

Imágenes cedidas por Warner Music Spain.

La UNED propone una noche de música folk y pop

2012-01-15T14:00:00.000+01:00

La Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED) presenta el segundo concierto del ciclo Noches de la UNED que lleva el título de Noche de folk y pop, que se celebrará el próximo martes 17 de enero en la Sala Galileo Galilei de Madrid. La iniciativa se financia con la venta de entradas, que tienen un precio único de diez euros.

Este segundo concierto de la propuesta cultural promovida por la UNED, tiene como objetivo la difusión y el fomento de la cultura participativa, dentro y fuera del ámbito universitario. En este caso, tres de los grupos presentes cuentan con la participación de estudiantes, profesores y personal de administración y servicios de la propia institución universitaria de enseñanza superior a distancia.

Los músicos de estas bandas que actuarán el próximo martes 17 de enero a partir de las 21:30 horas en la sala Galileo Galilei de Madrid, provienen de distintas ciudades españolas y abarcan propuestas tan diversas como la fusión musical de Litoral; los guiños al teatro de Esfumato, un proyecto muy personal que surge en 2005 de manos de Enrique Amigó, con una perspectiva musical combinada con el arte escénico; las versiones del grupo coruñés El Callejón del Gato; y los clásicos temas de Mamá, que forma parte ya de la historia del pop madrileño. Una banda mítica que en el año 2009 se volvió a reunir tras una larga separación y el pasado año grabaron Sólo por hoy, su último trabajo discográfico con temas nuevos.

De esta forma, esta universidad española trata de reunir sobre el escenario y en directo a artistas consagrados con músicos valorados en los circuitos independientes, y con bandas formadas por integrantes de la comunidad universitaria de gran talento musical, pero menos conocidos.

Imágenes cedidas por UNED.

El Enjoy After ARCO se suma a la oferta cultural de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo

2012-01-14T14:00:00.000+01:00

La Feria Internacional de Arte Contemporáneo (ARCO) y el Teatro Joy Eslava han organizado el festival de música Enjoy After ARCO 2012, que se celebrará en la sala capitalina los días 17 y 18 de febrero, y en la que actuarán algunas de las bandas y disyoqueis más alternativos y vanguardistas de España y Holanda.

ARCO se ha consolidado como una de las principales ferias de arte contemporáneo del mundo desde su nacimiento en el año 1982. Celebrada anualmente en Madrid, reúne una oferta artística variada y de gran calidad. Los 3.000 expositores internacionales y los más de 150.000 visitantes que tuvo en 2010 avalan su éxito creciente. Cada año, esta feria acoge a un país invitado, y en esta edición Holanda será la protagonista.

Para esta edición, la organización de la feria ha sumado una nueva iniciativa cultural paralela, el festival Enjoy After ARCO, que ofrece a sus visitantes la posibilidad de disfrutar de la música en vivo en la sala Joy Eslava de Madrid los días 17 y 18 de febrero.

El viernes 17 de febrero actuará en el festival el dúo Knalpot, que destaca en la escena experimental neerlandesa gracias a su sonido free jazz sobre base electrónica. La representación nacional estará abalada por la banda gallega Triángulo de Amor Bizarro, que se han revelado el pasado año como uno de los grupos independientes del panorama musical actual. Para finalizar la noche se han programado las sesiones de Juha Dj y de Los Planetas Dj’s.

La programación del sábado 18 de febrero está encabezada por la formación hispano-argentina Cápsula, que con su potente directo de garage rock han sido una de las sorpresas del pasado año gracias a su último trabajo discográfico, In the land of silver souls. También se subirá al escenario esa noche el quinteto madrileño Lüger, que se han convertido en una de las bandas nacionales más prometedoras rock progresivo psicodélico.

Como final de fiesta, estará actuando el holandés Rutger Zutdervelt, que se esconde bajo el nombre artístico de Machinefabriek, una de las grandes promesas de la escena ambient-experimental actual. También estará presente Tomás Fernando Flores, uno de los locutores más prestigiosos de Radio 3, que cerrará la velada con una sesión de música alternativa.

Imágenes cedidas por I’m an artist.

El Heineken Music Selector presenta una nueva edición y sus primeras confirmaciones

2012-01-13T08:00:00.000+01:00

Entre los meses de febrero y abril tendrá lugar la primera temporada del Heineken Music Selector 2012 en varias ciudades españolas. La organización del ciclo de conciertos ha presentado ya el primer avance de confirmaciones artísticas, entre las que se encuentran algunas bandas nacionales e internacionales como Sharon Jones, Corizonas, Low, Sidonie, Xiu Xiu, Jero Romero o Luis Brea.

Durante los meses de febrero, marzo y abril se darán cita en nuestro país artistas de la música internacional y nacional. Son las primeras bandas confirmadas para el Heineken Music Selector 2012, que ofrecerán un total de 24 conciertos en quince salas de once ciudades de la geografía española. En el plano internacional, el ciclo contará con la presencia de Sharon Jones & The Dap-Kings, Low, Xiu Xiu, Dawes y The Sadies. En el terreno patrio, se podrá disfrutar de los conciertos de Sidonie, Corizonas, Luis Brea o Jero Romero.

El trío catalán Sidonie abrirá la sexta edición del Heineken Music Selector el próximo 18 de febrero en la sala Capitol de Santiago de Compostela con su pop rock psicodélico, plasmado en su último trabajo discográfico, El fluido García. El grupo barcelonés ofrecerá otros tres conciertos: el 2 de marzo en la sala La Matriz Creativa de Cartagena, el 9 de marzo en el Círculo de Arte de Toledo y al día siguiente en la sala El Hangar de Burgos.

Entre la vertiente internacional presente en el ciclo de conciertos estará la gran diva del renacimiento soul, Sharon Jones, junto a sus inseparables The Dap-Kings, que colaboraron con Amy Winehouse. Presentarán en directo los temas de su último disco, Soul time!, el 13 de marzo en el Teatro Circo Price de Madrid. Mientras que el folk rock americano más distinguido del cuarteto californiano Dawes, estará presentando en directo su álbum, Nothing is wrong, el 29 de febrero en la sala El Sol de Madrid, al día siguiente en la sala El Loco de Valencia y el 3 de marzo en La Iguana Club de Vigo.

Después de casi veinte años de carrera discográfica y una sobresaliente trayectoria, Low regresan en estado puro a España para ofrecer su ‘slowcore’ en tres ciudades: el 28 de marzo en el Teatro Kapital de Madrid, el 29 en la sala Capitol de Santiago y el 31 de marzo en el Círculo de Arte de Toledo. Xiu Xiu, la banda del californiano Jamie Stewart se ha convertido en santo y seña de la música pop experimental repleta de estribillos insinuantes, que estará presente el próximo 28 de marzo en la sala Wah Wah de Valencia.

Corizonas, la formación surgida de la unión de Los Coronas y Arizona Baby, publicó el pasado mes de octubre su primera referencia discográfica titulada The news today, que se está convirtiendo en un fenómeno superventas. Su potente directo estará presente el 24 de febrero en la sala La Matriz Creativa de Cartagena, el 3 de marzo en la sala Plateruena de Durango, el 9 de marzo en la Sala Imagina de Cádiz y el día 23 de marzo en el Círculo de Arte de Toledo.

El pasado mes de noviembre Jero Romero publicó su primer trabajo en solitario, Cabeza de león, cantando en castellano por primera vez. Estará actuando e 19 de abril en el Teatro Kapital de Madrid, al día siguiente en la sala El Hangar de Burgos, el 21 de abril en la sala Capitol de Santiago de Compostela y el 27 en la sala Mirror de Valencia. Por su parte, el compositor madrileño Luis Brea actuará el próximo 1 de marzo en la sala El Sol de Madrid, donde repasará en directo los temas de su primer EP autoeditado, De lo dicho nada, y presentará su álbum debut, Hipotenusa, que tiene prevista su publicación en el mes de febrero.

Por último, los canadienses The Sadies llevan desde 1998 ofreciendo un híbrido entre el garage, la psicodelia, el rockabilly surf y el bluegrass. Una propuesta musical que estará en España el 14 de marzo en la sala Wah Wah de Valencia, al día siguiente en la sala Milwaukee de El Puerto de Santa María (Cádiz), y el 17 de marzo en la sala Mardigras de A Coruña.

Imágenes cedidas por Heineken Pro / La Trinchera Comunicación.

Pablo Alborán es el artista que más discos ha vendido en España durante 2011

2012-01-12T08:00:00.000+01:00

El cantante malagueño Pablo Alborán vuelve al número uno de las listas de ventas con su nuevo álbum En acústico, y se confirma como el artista que más discos ha vendido en nuestro país durante el año 2011, por delante de grandes artistas como Sergio Dalma, Adele, Julio Iglesias, Manolo García, Estopa o David Bustamante.

Cuando todo parecía que Sergio Dalma sería el cantante superventas del pasado año con su Vía Dalma II, tras seis semanas consecutivas dominando la lista de ventas nacional, el cantautor andaluz le arrebató el puesto en la clasificación durante la última semana del año 2011 con su disco En acústico, un CD con DVD incluido grabado en directo que ya es triple Disco de Platino, y con su álbum debut Pablo Alborán, con cuatro Discos de Platino.

Pero este éxito en ventas del joven cantante está ya atravesando fronteras, porque su último trabajo discográfico es número uno en Portugal por segunda semana consecutiva, mientras que su canción “Perdóname”, en la que colabora con la artista portuguesa Carminho, es también número uno en el país luso por tercera semana.

Unos laureles que están avalados con los cuantiosos galardones y nominaciones que ha recibido por su primer disco, entre ellos tres nominaciones a los Premios Grammy Latinos 2011 como Mejor Artista Revelación, Mejor Álbum Pop Masculino y Mejor Canción; ha sido elegido por RTVE como el Disco del Año 2011; ha ganado el Premio Revelación de Los 40 Principales y ha sido distinguido por iTunes Rewind Spain 2011 como Mejor Nuevo Artista y por iTunes Rewind México 2011 como Mejor Nuevo Artista de Pop Latino.

De esta forma, Pablo Alborán comienza a ser ya una revolución musical en España a pesar de su juventud y de una exigua carrera artística que comenzó hace dos años cuando el cantante colgó alguna de sus canciones en YouTube para darse a conocer y consiguió más de cinco millones de visitas en Internet. Un fenómeno que le facilitó la publicación de su primer trabajo discográfico el 1 de febrero de 2011, convirtiéndose desde su lanzamiento en un éxito y liderando las listas de ventas durante quince semanas.

Fotografías: Raquel Campos

The Cramberries presentarán su nuevo disco en Barcelona y Madrid

2012-01-11T08:00:00.000+01:00

The Cranberries regresan a España para presentar en directo Roses, su sexto trabajo discográfico. La banda irlandesa actuará el día 9 de julio en el Poble Espanyol de Barcelona y al día siguiente en el Palacio Vistalegre de Madrid.

El cuarteto liderado por Dolores O’Riordan se reunía en el año 2009 tras siete años de separación para volcarse en una gira que visitó España en marzo de 2010. Dos años después de su última visita a nuestro país, The Cranberries vuelven con un álbum titulado Roses, que se publicará el próximo 14 de febrero tras diez años sin publicar material nuevo de estudio. Un disco grabado en mayo del pasado año entre Toronto y Londres bajo la producción de Stephen Street.

Además, los irlandeses acaban de anunciar una gira internacional que pasará el día 9 de julio por Barcelona y al día siguiente recalará en Madrid. Dos conciertos para los que se pondrán a la venta las entradas a partir del viernes 13 de enero a través de Doctor Music, Ticketmaster, Fnac y Carrefour. El precio de las entradas para el concierto de Barcelona será de 40 euros más gastos de distribución, mientras que para el concierto de Madrid el precio de las entradas de grada oscilará entre los 40 y los 45 euros según la ubicación, y las entradas de pista tendrán un precio final de 40 euros más gastos de distribución.

The Cranberries saltaron a la fama internacional en la década de los 90 con su álbum debut Everybody else is doing it, So why can’t we?, que contaba con sencillos de la talla de “Dreams”, y que alcanzó la cifra de más de ocho millones de copias vendidas. El grupo se posicionaba en lo más alto del panorama musical con su pop-rock teñido de folk irlandés. Su segundo trabajo, No need to argue, llegó en 1994 y superó el éxito de su debut con temas como “Ridiculous thoughts”, “Ode to my family” o “Zombie”, una de las canciones más populares del cuarteto que acabó de posicionar a la banda en el Olimpo del rock.

De su larga trayectoria musical conjunta destacan numerosos éxitos que les han hecho vender más de cuarenta millones de discos. Temas como “Animal instinct”, “Linger”, “Zombie”, “Just my imagination” o “Salvation” son sólo un ejemplo de las canciones más solicitadas en cada uno de sus conciertos, y como ya prometían en su regreso, no pueden faltar en su ‘set list.

Imágenes cedidas por Doctor Music / Alterna 2.

El espíritu de la música negra volverá a Madrid con el Moe Black Music

2012-01-10T08:00:00.000+01:00

La organización el festival Moe Black Music ha confirmado las primeras incorporaciones para su quinta edición que se celebrará en Madrid entre el 10 y el 31 de marzo. Bandas internacionales como The California Honeydrops, Breakestra, The New Mastersounds, Lucky Peterson, Jimmy Burns, The Apples o el concierto de despedida de los míticos Speaklow estarán presentes en uno de los eventos más importantes del continente europeo en el ámbito de la música negra.

El festival madrileño llega a su quinta edición creciendo en calidad y asistencia año tras año, a la par del notable aumento por la música negra entre el público generalista. Arrancará el próximo sábado 10 de marzo en la sala El Sol con el concierto de la banda americana The California Honeydrops, una de las agrupaciones más en forma del característico sonido de la ciudad de Nueva Orleans, y terminará el día 31 de marzo en el mismo recinto con The New Mastersounds, que están considerados los reyes del funk europeo.

Durante los veinte días que durará el festival, la organización ha preparado una programación que se repartirá en varios emplazamientos de la capital, como la sala Moe, la sala Intruso, la Joy Eslava, Penélope Club o la propia sala El Sol. En ellas se podrá disfrutar de las actuaciones de grupos internacionales como los californianos Breakestra, el salvaje show de The Apples o el concierto de regreso de Speaklow, combinados con los clásicos de siempre, como el gran bluesman Lucky Peterson o Jimmy Burns. El evento sonoro también realizará un recorrido por el panorama nacional actual con las mejores bandas españolas de ritmos negros y de fusión.

En el mes de febrero se realizarán algunas presentaciones previas con los conciertos de Sulene Fleming & Fire Eaters el jueves 9 de febrero en la sala Intruso, y de Primital el jueves 23 en la sala Moe. No obstante, la organización ha afirmado que realizará nuevas confirmaciones artísticas en próximas fechas y el lanzamiento de un abono de precio reducido para el Moe Black Music 2012.

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Imágenes cedidas por La Trinchera Comunicación.

Smith & Burrows continúan su aventura navideña

2012-01-09T08:00:00.000+01:00

Lo que parecía una efímera colaboración musical para celebrar la Navidad entre Tom Smith, vocalista de la banda Editors, y Andy Burrows, se ha convertido en un éxito entre la crítica especializada y el público británico desde que editasen el 25 de noviembre su álbum debut Funny looking angels. Ahora esta aventura conjunta se prolonga con la publicación de su nuevo sencillo, “This ain’t New Jersey”, cuyo videoclip se acaba de anunciar en YouTube.

Mientras el grupo inglés Editors está inmerso en la grabación de su cuarto trabajo discográfico de estudio, que tiene previsto su lanzamiento para este mismo año, su líder y cantante Tom Smith compuso un álbum navideño junto a Andy Burrows, integrante de las bandas We Are Scientists, I Am Arrows y Razorlight. Un disco festivo titulado Funny looking angels, que contiene diez canciones entre temas propios y versiones de distintos artistas publicado el pasado 25 de noviembre a modo de felicitación navideña.

Una colaboración que se está dilatando en el tiempo con el lanzamiento de su nuevo sencillo, “This ain’t New Jersey”, uno de los temas con más fuerza del disco cuyo videoclip se ha anunciado el pasado martes 10 de enero en el canal de vídeos YouTube. Una continuidad que se debe a la buena acogida que ha tenido la producción sonora entre la crítica especializada y el público británico.

Además de las composiciones originales, el álbum debut de Smith & Burrows contiene una ecléctica selección de versiones, entre las que se encuentran “Only you” de Yazoo, la ochentera “Wonderful life” de Black, interpretada ahora por Smith, “On and on”, tema original de los Longpigs y cantada a dúo en este trabajo por ambos artistas, o “The christmas song”, que Tom Smith entona junto a la solista danesa Agnes Obel.

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Smith & Burrows – “This ain’t New Jersey”

Imágenes cedidas por Pias Spain

El Cross Rector de la UNED inaugura con éxito la temporada deportiva universitaria

2012-01-08T12:00:00.000+01:00

El sábado 7 de enero tenía lugar el XXIV Cross del Rector organizad0 por la Universidad Nacional de Educación a Distancia (UNED) en la Ciudad Universitaria de Madrid con notable éxito de participación, en el que se inscribieron más de 650 corredores de varios puntos de España entre alumnos universitarios y deportistas interesados en las categorías femenina, masculina, veteranos y estudiantes.

Pasadas las 11:30 horas quedaba cerrado el plazo de inscripción con gran éxito de asistencia, llegando a inscribirse 651 participantes para tomar parte en una nueva edición del Cross del Rector de la UNED, en una jornada festiva en la que brilló el sol y se pudo disfrutar de una temperatura muy agradable para las fechas en las que se disputa esta prueba que abre la temporada deportiva universitaria.

Al mediodía comenzaba la primera de las dos carreras programadas, que correspondía a la prueba femenina. Con una asistencia algo escasa que no llegaba a las 60 corredoras, las participantes dieron dos vueltas al circuito que se encontraba muy cerca del Paraninfo de la Ciudad Universitaria de Madrid, sobre una distancia total de 4.500 metros que se caracterizaba por subidas y bajadas de constante rompe piernas. Resultó ser una carrera rápida y disputada en los primeros lances, aunque antes de comenzar la segunda vuelta ya estaban muy perfiladas las posiciones finales de cabeza.

Entre las féminas se impuso en la categoría absoluta Eva Useros Marugán, de la UNED, con un tiempo total de 15 minutos y 46 segundos, por delante de María López Gómez, también de la misma universidad, y de la tercera clasificada, Ángeles Hermida Omaña, del equipo Canal de Isabel II. En la categoría de veteranas mayores de 40 años ganó Elena Bedera Pérez con un tiempo total de 20 minutos y 18 segundos, imponiéndose a Marta Rebollo Saugar y a Yolanda Cano Rodríguez, tercera clasificada.

Antes de la competición masculina se realizaron los actos protocolarios a los que asistieron Carlos Ramos Rodríguez, coordinador del Área de Deportes de la UNED, Álvaro Jarillo Aldeanueva, Vicerrector de Estudiantes, Empleo y Cultura de la UNED, y Juan Antonio Gimeno Ullastres, Rector de la UNED, que recibió el dorsal número uno conmemorativo y cortó la banda de inauguraron del ‘cross’. Todos ellos resaltaron el ambiente festivo reinante y el estímulo que supone la alta congregación en este acto deportivo.

Mucho más concurrida resultó la carrera de hombres, en la que sus 380 participantes dieron tres vueltas al perímetro agreste hasta completar poco más de seis kilómetros. Disputada de principio a fin, la prueba masculina la ganó de forma autoritaria Álvaro Lozano de Pedro, con un tiempo total de 19 minutos y 31 segundos, seguido de su hermano Alberto y del tercer clasificado, Ricardo Rosado Villaverde, todos ellos estudiantes de la UNED que llegaron a doblar a numerosos corredores antes de llegar a meta. En la categoría de veteranos mayores de 40 años se impuso Ángel de la Encarnación Moreno, con un tiempo total de 21 minutos y 32 segundos.

La entrega de premios se realizó a cargo del coordinador del Área de Deportes de la UNED y del Vicerrector de Estudiantes, Empleo y Cultura de la UNED, en un acto en el que reinó el buen ambiente deportivo y la camaradería entre rivales, emplazándose para la próxima ocasión en la que se conmemorará los 25 años de este Cross del Rector que cada edición gana importancia en el calendario deportivo universitario y un mayor número de adeptos.

Fotografías: Óliver Yuste

El fenómeno Adele conquista el planeta

2012-01-07T14:00:00.000+01:00

Con más de quince millones de discos vendidos de su segundo trabajo discográfico, la cantante británica Adele va camino de convertirse en la nueva diva de la música en todo el mundo. Por el momento, su última producción se ha materializado en el disco más vendido de 2011, un vertiginoso fenómeno musical en todo el planeta que la ha cristalizado ya en una de las mejores cantantes de su generación.

Adele Laurie Blue Adkins (Londres, 1988) comenzó su carrera artística en el año 2006 y en poco más de cinco años se ha convertido en un fulminante fenómeno musical. En 2008 publicaba 19, su álbum debut, y el 21 de enero de 2011 lanzaba su segundo disco de estudio titulado 21. Ambos trabajos discográficos han vendido hasta el momento más de 18 millones de copias en todo el mundo según informa el portal United World Charts, que recopila datos de las listas de ventas discográficas oficiales de los mercados internacionales más importantes.

Según la misma fuente, su segunda producción sonora ha vendido más de quince millones de unidades en todo el planeta, transformándose de esta forma en el disco más vendido del año 2011. La artista inglesa se impone así a otros cantantes consagrados como Lady Gaga, Michael Bublé, el estadounidense Bruno Mars, Rihanna, el grupo británico Coldplay, Beyoncé o Justin Bieber. Este éxito ha provocado que su primer álbum se coloque en el puesto número siete de la lista de los discos más vendidos, con casi de tres millones de copias.

Pero el fenómeno Adele no tiene límites. Sus siete sencillos publicados hasta ahora, entre los que se encuentran “Hometown glory”, “Chasing pavements”, “Rolling in the deep”, “Someone like you” o “Set fire to the rain”, van camino de vender más de 25 millones de copias totales. A ello se unen las ventas de sus tres discos en directo, que han alcanzado su máxima con Adele live at The Royal Albert Hall, publicado el pasado 25 de noviembre de 2011.

Un triunfo que está avalado por los numerosos galardones internacionales que ha recibido la cantante londinense, con dos premios Grammy en 2009 como Mejor artista nuevo y Mejor intérprete vocal femenina de pop, que se unen a un total de 23 premios recibidos hasta la fecha y más de ochenta nominaciones.

La carrera de Adele ya era imparable desde sus inicios. A los 19 años ganó el premio Brit de la crítica. Su disco 19, también nominado a los premios Mercury, fue directo al número uno en las listas británicas y se convirtió en doble platino poco después de salir al mercado. Su single de debut, “Chasing pavements”, llegó al número dos en las listas británicas y fue un éxito masivo en el resto del mundo.

Con su segundo trabajo discográfico ha superado con creces las cifras de ventas de su primer disco. Ha sido el primer álbum en la historia de Gran Bretaña en vender más de cien mil copias durante ocho semanas consecutivas en las que también fue número uno en ventas. Unas marcas que superan algunos de los mejores resultados obtenidos por grandes artistas como The Beatles o Madonna.

Y todo ello sin una campaña publicitaria brutal, sin el apoyo de una de las gigantes empresas discográficas internacionales, desde un sello independiente como es XL Recordings, con la potencia de una voz que ha conquistado al mundo entero sin discusión alguna, convirtiéndose desde el primer momento en un fenómeno de MySpace con algunas canciones que destilaban un sonido excelente mezcla de soul, blues, pop, jazz y algo de country de raíces clásicas y contemporáneas.

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Adele – “Set fire to the rain”

Imágenes cedidas por Arigato Comunicación

La música independiente y la enológica se fusionarán en el enoFestival

2012-01-06T08:00:00.000+01:00

El próximo sábado 4 de febrero se celebrará en el Palacio Vistalegre de Madrid la primera edición del enoFestival, un evento dedicado a la cultura enológica y a la música independiente en el que actuarán Nacho Vegas, The Right Ons, Christina Rosenvinge, The New Raemon, Tachenko y Modelo de Respuesta Polar.

Este nuevo modelo de festival entremezclará las catas de vino y la música en directo de algunas de las bandas del panorama alternativo nacional. Desde las 13:00 hasta las 00:30 horas del próximo 4 de febrero los asistentes podrán degustar vinos de distintas denominaciones de origen, variedades con precios a partir de dos euros al ritmo de los conciertos en directo que la organización ha preparado para la ocasión.

Según ha declarado la organización, este festival se crea porque “Somos amantes del vino y de la música en directo, pero nos dimos cuenta de que jamás habíamos podido disfrutar de esos dos placeres al mismo tiempo, por eso nace este festival. Un espacio donde, copa de vino en mano, la música pueda sentirse de otro modo”.

La sala The Box del Palacio Vistalegre de la capital dispondrá de zonas de descanso donde poder disfrutar de los distintos vinos seleccionados pertenecientes a las mejores bodegas nacionales, además de enobarras, catas dirigidas a partir de cinco euros o degustaciones en el escenario. Todo ello maridado por los directos de Nacho Vegas, The Right Ons, Christina Rosenvinge, The New Raemon, Tachenko, y Modelo de Respuesta Polar, que protagonizarán la primera edición de este festival.

Las entradas para asistir al evento tendrán un precio especial de veinte euros hasta el 15 de enero. A partir de ese día pasarán a tener un precio único de 27 euros más copa de vino gratis y se podrán adquirir a través de Ticketmaster.

Imágens cedidas por Man Pop

La Casa Encendida finaliza el año con su mejor registro de visitantes

2012-01-05T08:00:00.000+01:00

La Casa Encendida celebró en el mes de diciembre su IX aniversario, consolidándose como uno de los espacios de referencia dentro de la cultura y la promoción de la vanguardia contemporánea en Madrid, gracias a su mejor registro de visitantes con el que finalizó el año 2011.

El Centro Social y Cultural de la Obra Social de Caja Madrid celebró el pasado año cerca de 1.300 actividades y casi seiscientos cursos y talleres dedicados al impulso de la cultura, el arte vanguardista, el medio ambiente, la solidaridad y la educación. Acciones todas ellas a las que asistieron 818.030 visitantes, la mejor marca de usuarios en los nueve años de existencia de La Casa Encendida hasta el momento, superando en más de 50.000 a los del año 2010, cuando se registraron 755.000 visitantes.

Desde su apertura en el año 2002, más de cinco millones de visitantes han participado en las más de diez mil actividades que se han celebrado en sus 6.500 metros cuadrados de espacio ubicados en la Ronda de Valencia de la capital. Cada año este centro cultural programa infinidad de conciertos de música, teatro, danza, cine, exposiciones artísticas o conferencias de temas variados sobre cultura, solidaridad o medio ambiente; además de numerosos cursos y talleres que le refuerzan como uno de los espacios de formación alternativa.

La Casa Encendida apoya a jóvenes creadores en el desarrollo de sus iniciativas con programas como “Emergencias”, “En Casa” o el programa “Artistas en Residencia”. Además, cuenta con un completo centro de recursos para trabajos de imagen y sonido cuyo uso pueden solicitar todos los creadores para la realización de sus proyectos, como una biblioteca, una mediateca, una hemeroteca, un laboratorio de radio, fotográfico y multimedia accesible a todos los públicos.

Fotografías: Beatriz Alonso.

Male Bonding presentarán en España su nuevo álbum

2012-01-04T14:00:00.000+01:00

La banda Male Bonding presentará en directo su segundo trabajo discográfico, Endless now, en una gira que pasará por nuestro país a partir del próximo 18 de enero visitando Barcelona, Valencia y Madrid.

El grupo inglés estrena su segundo álbum titulado Endless now, editado bajo el sello Sub Pop Records con 36 minutos de canciones excitantes creadas artesanalmente. Una música animada por un contagioso y a la vez evangelical celo que refleja sus raíces en la emergente comunidad indie rock D.I.Y., surgida en su barrio adoptivo de Dalston, Londres.

Llegarán a España para presentar en directo su nuevo trabajo discográfico en tres ciudades: el 18 de enero estarán en la sala Moog de Barcelona, al día siguiente harán lo propio en la sala Wah Wah de Valencia y el 20 de enero desembarcarán en la sala Moby Dick de Madrid con Fabuloso Combo Espectro como grupo telonero.

Male Bonding es una de las nuevas promesas que llegan arrollando con un hardcore clásico a lo My Wedding Present, coros brumosos, indicios ‘vintage’ que recuerdan pasajes de The Beach Boys, el pop sesentero de Phil Spector, remolinos grunge y dulces palmas. De esta forma, consiguen reconciliar el punk y el hippy a partes iguales convirtiéndose en una referencia a tener en cuenta en el futuro.

Una formación compuesta por Robin Silas Christian a la batería, John Arthur Webb como guitarra y voz, y Kevin Hendrick al bajo y voz secundaria. Desde sus orígenes en el año 2008 se han convertido en un auténtico fenómeno musical actual desde que comenzaran tocando en alocadas fiestas, y no han parado desde entonces.

Su magnético álbum debut Nothing hurts apareció en 2010 con notable éxito, realizando numerosas giras europeas y por Estados Unidos, compartiendo escenario con bandas como Vivian Girls, Lovvers, Health, Fucked Up, Graffiti Island, Mika Miko, These Are Powers, Nisennenmondai, Magik Markers o Finally Punk.

+ Info Male Bonding:
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+ Info Gira España:
18 de enero – Sala Moog – Barcelona.
19 de enero – Sala Wah Wah – Valencia.
20 de enero – Sala Moby Dick – Madrid.

Male Bonding – “Tame the sun”

Imágenes cedidas por Sones